Radio Gulp

• RADIO GULP: MÚSICA PARA APRENDER A NADAR EN LAS SONORIDADES DE UN MAR VIRTUAL 

  

  RADIO GULP en el contexto del surrealismo no se refiere a una emisora de radio convencional, sino más bien a una provocación artística.

  En Argentina, durante el siglo XX, el surrealismo tuvo un impacto significativo en la cultura y el arte. Fue un movimiento vanguardista que exploró lo irracional, lo onírico y lo subconsciente. Los artistas surrealistas buscaban liberarse de las restricciones de la lógica y la razón, creando obras que desafiaban la realidad convencional.

  RADIO GULP es un término que evoca esa esencia surrealista. Aunque no se trata de una estación de radio real, su nombre sugiere una transmisión imaginaria que desafía las normas establecidas. El nombre GULP se inspira en uno de los manifiestos inaugurales del surrealismo francés. André Breton, líder del movimiento, proclamó que la humanidad podría tener un “sueño colectivo”. Este concepto de un sueño compartido, una experiencia más allá de la realidad tangible, es fundamental para el surrealismo. RADIO GULP se presenta como una alternativa a las ondas hertzianas convencionales. Imagina una estación de radio que transmite desde un plano de existencia diferente, donde las antenas de radio se fusionan con las cabezas de las personas. Es una imagen absurda y sorprendente, típica del surrealismo.

  RADIO GULP sigue añadiendo más capas de misterio y contradicción. Es como si esta estación de radio imaginaria existiera en un espacio liminal entre lo real y lo fantástico. RADIO GULP es una metáfora surrealista que desafía las convenciones y nos invita a explorar lo inesperado. Aunque no encontrarás una emisora con ese nombre, su esencia sigue vibrando en el arte y la imaginación.

  13 de abril de 2024

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• ROBERT POSS DE BAND OF SUSANS: GOLPEANDO LAS PUERTAS DE LA DISTORSIÓN

  

  Fundador del grupo de Noise rock Band Of Susans a finales de los años ochenta. Realizó giras con Wire y The Mekons además de compartir cartel con grupos como My Bloody Valentine, Dinosaur Jr. y Henry Rollins Band. Cultor de las guitarras y la distorsión, Robert Poss inició  además, una carrera solista que se compone  de varios álbumes y que incluye su más reciente lanzamiento: Drones, Songs and Fairy Dust (2024)

  

  Por Darío Falcón

  Algunos señalan a Graddy Martin, guitarrista del músico de Country, Marty Robbins, como el  inventor casual de la distorsión al grabar en 1961 de manera accidental,  un solo con una guitarra Danelectro. En ese momento un canal de la mesa de grabación a válvulas comenzó a distorsionar y en lugar de repararse esa avería decidió utilizarse igual. Podría decirme entonces que el primer solo con “Fuzz” fue grabado en la localidad de Nashville, Tennessee. La manipulación del sonido de las guitarras fue evolucionando con el paso del tiempo y  durante los años sesenta se crearon los primeros pedales de distorsión como el icónico Fuzzface que usaría entre otros Jimmy Hendrix. Por su parte Jimmy Page de la banda inglesa Led Zeppelin se autoproclamaria como inventor de la distorsión por ser uno de los primeros músicos en utilizar el Overdrive conocido en ese entonces como caja de Fuzz.

  Pero mucho tiempo ha pasado desde entonces y muchos han sido los músicos que se valieron de este recurso sonoro para delinear la estética de sus canciones.

  Antes de fundar Band Of Susans una de las bandas emblemáticas del Noise de los noventa, Robert Poss ya había participado de dos  grupos que supieron dejar huella en la escena underground estadounidense. Por un lado Tot Rocket and The Twins con marcadas influencias del punk rock y luego Western Eyes con un  sonido que se distanciaba de su trabajo inicial, asumiendo algunos riesgos estéticos. Pero fue con Band Of Susans, el grupo que fundó junto a su amiga la flautista de vanguardia Susan Stenger con el  que comenzó a adquirir mayor trascendencia internacional. Con la Superposición de guitarras y la densidad del paisaje sonoro convertirían el ruido en pura poesía distorsiva a merced de la canción.  Según la recopilación The Great Indie Discography, «…desafortunadamente, el éxito es lo único que ha eludido a Band of Susans and Co. a lo largo de su vida de más de una década«.

  Poss además de lanzar varios álbumes con su banda más reconocida, inició también una carrera solista independiente que acaba de tomar un nuevo impulso con el lanzamiento de su álbum : Drones, Songs and Fairy Dust (2024). Un álbum ecléctico, rico en texturas sonoras, en dónde Poss profundiza su predilección por uso de drones y su amor por la guitarra eléctrica abarcando estilos y géneros disímiles entre sí.

  

  Los comienzos de Band Of Susan se remontan a fines de los años ochenta en la escena Noise Rock de Estados Unidos. Movimiento que fue captado por el sello inglés Black First y que la incluyó en su catálogo junto a grupos como Sonic Youth, Big Black y Dinosaur Jr. El nombre de la banda provenía de las tres integrantes de la formación original del grupo: Susan Stenger al bajo y Susan Tallman y Susan Lyall a las guitarras. Con Poss como tercer guitarrista y Ron Spitzer en la batería.

  

                                               Band Of Susans 

  La banda estuvo activa entre 1986 y 1996 y grabaron cinco álbumes en los que predominó el uso de murallas abrasivas de guitarra que cubrían las canciones generalmente dotadas de una estructura clásica. El catálogo se compone de los álbumes Hope Against Hope  (1988), Love Agenda (1989), The Word and the Flesh (1991), Veil  (1993) y Here Comes Success (1995). Podría decirse que los Band Of Susans fueron pioneros del movimiento Shoegaze que tuvo lugar en Gran Bretaña a finales de los ochenta y que se extendió hasta mediados de los noventa, teniendo como referente a grupos como My Bloody Valentine y Slowdive. De hecho el grupo de Poss tocó junto a la banda de Kevin Shields a mediados de 1989 en Washington D.C., en un memorable show que cuenta con un registro audiovisual y que da cuenta de ciertos puntos de confluencia en la forma de abordar las canciones.

  “Cualquiera que tenga la impresión de que Sonic Youth eran/son/podrían ser los reyes de la exageración de seis cuerdas nunca se cruzó con Band Of Susans. Qué estruendo tan glorioso de guitarras, loops, cables y pedales fue… La jefa Susan, cuyo nombre real es Robert Poss” publicó Thrust Magazine 

  Después de la disolución de la banda a finales de 1996, Poss y Stenger tocaron con Bruce Gilbert de Wire como gilbertpossstenger y lanzaron un álbum con este nombre. Stenger y Poss también han trabajado extensamente con el compositor Phill Niblock. Poss se ha concentrado en la producción y el trabajo en solitario, mientras que Stenger tocó en vivo con la segunda banda de Siouxsie Sioux, The Creatures, en 1998, y trabajó con Nick Cave, John Cale y Alan Vega (Suicide).

  Las cualidades de Poss como guitarrista han sido elogiadas a menudo por diferentes medios que no han dudado en llamarlo el maestro de las guitarras manipuladas y la distorsión. Virtud que lo ha llevado a tocar también con Rhys Chatham, un trompetista y guitarrista estadounidense contemporáneo de vanguardia. Ha integrado también el grupo Heroes Of Toolik que ha contado entre sus integrantes con Ernie Brooks, bajista de los Modern Lovers, Billy Ficca baterista de Television y Peter Zummo de los Flying Hearts.

  En 2006 Robert Poss participó del proyecto multimedia  que su antigua compañera de banda Susan Stenger realizó en el Museo de Arte Contemporáneo de Lyon en Francia…  y que se denominó Soundtrack for an Exhibition curado por Mathieu Copeland. Durante 96 días se llevó a cabo una obra musical ininterrumpida que conto con la colaboración de cineastas y pintores, y otros músicos como destacados como el propio Robert Poss de Band Of Susan, Alan Vega de Suicide,  Alexander Hacke de Einstürzende Neubaten,  Will Oldham de Palace Music y Bonny Prince Billy, Kim Gordon de Sonic Youth, Mika Vainio de Pan Sonic, Bruce Gilbert de Wire, Ulrich Krieger y Warren Ellis de los Dirty Three y  The Bad Seeds y  Spider Stacy  de los Pogues.

  Tanto Suicide como Band Of Susans habían integrado el catálogo del sello First Blast de Paul Smith . Y producto de ese encuentro en Francia en la exhibición de Stenger, Robert Poss comenzó a trabajar como sonidista del dúo formado por Alan Vega y Martin Rev en sus shows por América y Europa.

  

  https://m.soundcloud.com/robert-poss/suicides-alan-vega-sings-for-susan-stengers-soundtrack

  La historia de Robert Poss luego de la disolución de Band Of Susans continúa con su carrera solista y la grabación de dos álbumes en 2002,  Distortion Is Truth y Crossing Casco Bay, en su sello  Trace Elements Records. Con un enfoque experimentalista que parte de la electrónica y la distorsión para alejarse de las fórmulas comerciales que pudieran afectar un paisaje autoral único construido en base a todos sus años de experiencia.

  En una entrevista publicada en la revista The Wire, el guitarrista y productor Steve Albini afirmó que “Creo que Robert Poss… es un teórico de la guitarra enormemente subestimado. Muchos de sus enfoques sobre la densidad de la guitarra se pasan completamente por alto en cualquier discusión sobre la guitarra… Creo que la forma en que estructura la canción alrededor del dron en lugar de encontrar un dron que encaje en la canción es totalmente única”.

  

  Hola Robert, ¿Cuál fue tu primer acercamiento a la música cuando eras niño o fue algo que descubriste más tarde? ¿Tus padres te apoyaron en esta búsqueda?

  No crecí en una familia de músicos. Ni mis padres ni mis hermanos eran realmente músicos ni tocaban música. Aunque si  tengo un primo lejano que fue un famoso concertista de violín. Pero cuando era niño escuchaba discos infantiles y canciones populares. Y creo que no demasiado. Recién cuando era muy joven aparecieron los Beatles y  me obsesioné con el aspecto de sus guitarras. Entonces  vi la portada de Second Album (  Nota: The second Album (1964)  de los Beatles fue una recopilación norteamericana integrada por cuatro LP ‘s de diferentes lanzamientos británicos) y me impresionaron ya que tenían un bajo con aspecto extraño de violín (Hofner 500/1) Y también estaban las guitarras Rickenbacker y la Gretsch.Y pensé que eso era algo más genial. Así que, como millones de personas, me involucré realmente con los Beatles y los Rolling Stones cuando  corrían los años sesenta. Nací en 1956 entonces, como ya sabes, estaba en la edad adecuada para descubrir toda esta música nueva. Mis padres no estuvieron involucrados en mi elección.  No creo que alguna vez esperaran que yo llegara  a ser músico.  Creo que cuando comencé a tocar el bajo, cuando tenía doce años,  pensaban  que pasaba mucho tiempo solo en mi habitación, sin socializar, sin jugar con nadie tratando de aprenderme las canciones de la radio. Pero fui completamente autodidacta. Y en algún momento comencé a tocar en bandas de rock de adolescentes y luego aprendí a tocar la guitarra, aprendí por mi cuenta nuevamente. Y luego la terminé tocando más que el bajo que fue mi primer instrumento. Aunque todavía me encanta tocarlo.

  

  

  https://robertposs.bandcamp.com/album/television-rules

  ¿Contanos cómo surgió Band of Susans? ¿Y qué recuerdos tenés de aquellos años? Ensayos, tu primer recital…

  Band Of Susans surgió de una manera bastante extraña. Yo había tocado en un grupo llamado Tot Rocket and the Twins que se había transformado en un grupo más experimental, luego con Western Eyes. Y sacamos algunos discos y conseguimos buena prensa, y tocamos en algunos conciertos, pero realmente en cierto punto, me retiré de  esa especie de  “carrera de ratas” que es el negocio de la música. 

  

  https://robertposs.bandcamp.com/album/western-eyes

  Esto habría sido alrededor de 1985 y por entonces  decidí dedicarme únicamente a la música. En otras palabras, eso era lo que quería hacer, sin la mediación de ningún otro músico y de  ningún otro pensamiento o consideración sobre lo que podría ser popular o lo que podría ser comercial. De esa manera comencé a trabajar con guitarra eléctrica y dos delays digitales. Uno de los retardos era una especie de riff repetitivo, y el otro un bucle de un dron. Y luego toqué encima de eso, y ese fue el comienzo del material de Band Of Susans. Parte de este material fue lanzado en un casete en solitario en 1986 en mi propio sello discográfico llamado Trace Elements Records. Y en algún momento pensé que sería genial tener una banda.  Pero no un grupo de músicos que conociera en su mayor parte.  Quería reunir a algunas personas que no fueran músicos.  Y resultó que conocía a dos Susans que en realidad no eran músicas profesionales.  Y luego se sumó Susan Sanger, que sí era una gran música. Así que  las tres Susans y yo empezamos a tocar el material que yo ya tenía grabado y luego se incorporó Ron Spitzer (Tot Rocket and the Twins y When People Were Shorter and Lived Near the Water) que era alguien con quien ya había tocado música desde siempre, un músico fantástico que puede hacer lo que se proponga.  Es un gran cantante,  toca el piano, el bajo y es un baterista fantástico. De hecho, se convirtió finalmente en el baterista de Band Of  Susans. Entonces ensayamos y comenzamos a grabar.  Empezamos a trabajar en parte de este material previo mientras yo les enseñaba todas las partes. Al principio, Susan Lyall y Susan Tallman no tenían mucha habilidad ni experiencia para tocar la guitarra. Así que literalmente les enseñé dónde poner los dedos y cómo hacerlo. Estaban aprendiendo desde cero, lo cual fue realmente genial. No había nociones preconcebidas sobre lo que estaba bien y lo que estaba mal.  Recuerdo nuestro primer concierto, que fue después de haber grabado nuestro primer disco (Hope Against Hope ) Y eso fue, creo, el 31 de Enero de 1987 en un pequeño club que estaba en  un sótano llamado Lismore Lounge y era nuestra fiesta de lanzamiento del álbum. Y esa fue la primera vez que tocamos ante el público y  fue todo un éxito. El tipo de combinación de amateurismo y profesionalismo o experiencia, en realidad, fue un gran acierto.

  

  Todos tenemos álbumes y bandas que cambiaron nuestras vidas para siempre … ¿Podes  nombrarme  algunos de ellos?

  Bueno, hay muchísimos discos que me han influido mientras era un  adolescente. Porque estaba escuchando todo por primera vez. Todo era fresco, todo era innovador. Tendría que decir que hubo discos de los Rolling Stones como  Beggars Banquet (1968) y Revolver (1966) de los Beatles y también muchos discos de blues porque originalmente comence como bajista de blues. Entonces también me interesé por la música de Butterfield  y su disco debut The Paul Butterfield Blues Band (1965) y por Muddy Waters. Y por supuesto, estaba al tanto de la música de Motown. Estaba al tanto, además,  de los sonidos psicodélicos que estaban por todos lados. Aunque fue en la radio cuando salió el primer disco de los New York Dolls en 1973 y ese fue un verdadero momento decisivo para mí. Había seguido a los Dolls incluso antes de que tuvieran un contrato discográfico. Ya había leído sobre ellos. Probablemente fui la primera persona en Buffalo, Nueva York, en comprar ese LP.  Escuchar ese álbum realmente cambió mi vida. Y creo que eso me llevó a escuchar bandas de punk posteriores como  Gang Of four, The Jam y Sex Pistols.

  También había escuchado algo de música mood de los años sesenta. Así que me conecte totalmente con el sonido del Punk y la  New Wave.

  

  ¿Te arrepentís de algo en la forma en que te manejaste en tu carrera independiente? ¿Y de qué aspectos estás más orgulloso?

  Bueno creo que si hubiera dedicado más tiempo a mi cabello y al maquillaje probablemente estaría mucho más avanzado.  Mi mayor impedimento como músico joven fue no tener la confianza suficiente para arriesgarme en algunos aspectos de mi carrera. Aunque por supuesto, eso cambió cuando comencé con Band of Susans, que era todo lo que quería hacer. Pero también tomé algunas malas decisiones en términos de compañías discográficas y recibí algunos malos consejos. Creo que fuimos muy afortunados de firmar con Blast First Records. Su fundador Paul Smith realmente hizo maravillas para nosotros. Y creo que le debemos gran parte de nuestro éxito y nuestro perfil a él y a cómo trabajó con la banda. Esa etapa es algo que volvería a repetir porque es una de las cosas de las que no me arrepiento Pero sabes? estoy muy orgulloso de la banda.

  

  Tuvimos una prensa increíblemente buena en el Reino Unido, Europa y Estados Unidos. Y somos realmente reconocidos, se escribe sobre nosotros en libros y se nos considera innovadores. Además  estoy muy orgulloso de los logros musicales. Estoy orgulloso de haber hecho excelentes discos durante nueve años. Y luego simplemente nos separamos porque pensamos, que ya habíamos cumplido nuestro ciclo.  Además la vida personal de cada uno hacía difícil seguir adelante con el grupo. Paradójicamente, cuanto más éxito teníamos y más giras hacíamos las cosas se complicaban  en un punto, porque los integrantes de Band Of Susans tenían hogares, familia y trabajos de día y alquileres que pagar. Entonces fue algo mixto, Intercalabamos entre estas dos facetas nuestras. Estoy muy orgulloso de haber podido hacer dos sesiones en vivo para John Peel de la BBC. De haber tocado en el Roskilde Festival en Dinamarca. De haber estado de gira con grandes bandas como Rapeman, Wire y los  Mekons. También tocamos en shows con Nick Cave y con muchas otros grupos geniales.  Y conocí a muchos músicos de los que he sido amigo, ya sabes, durante décadas. Pero también pienso que si tuviera que rehacer mi vida de nuevo, probablemente sería escritor. Admiro a los escritores de novelas, obras de teatro y poesía más que a los músicos.  Y una de las cosas que me encanta de escribir es que no hay artificios en el sentido práctico. Cómo el texto escrito a mano o mecanografiado. Parece lo mismo pero no lo es en lo relativo a la música como ir a un estudio de grabación muy caro y tener  un productor realmente bueno y reconocido, o contar también con instrumentos o equipos realmente costosos. Siendo escritor bastaría con tener un lápiz, una máquina de escribir o una computadora.

  

                             Susan Stenger y Robert Poss 

  ¿Por qué elegiste la música y no otra cosa?

  Entonces creo que elegí la música casi por accidente Quiero decir, estudié historia en la escuela. Estudié periodismo también. Yo era un estudiante muy aplicado cuando estaba en la universidad. Trabajé en una gran variedad de trabajos. Pero siempre volviendo a la música simplemente por mi  amor a ella. Sin ninguna expectativa de ganarme la vida con eso. Siempre pensé que era mejor tener un trabajo diario y hacer la música que quería en lugar de crear música realmente mala para ganarme la vida con eso. No quería tocar en bodas. No quería hacer comerciales.  No quería tocar en bandas de covers. Quería hacer mis propias composiciones.

  

  ¿Cuál podría ser el momento de tu carrera como músico que recordas con mayor énfasis? Algún recital, la grabación de un disco etc. …

  Creo recordar algunos momentos como por ejemplo cuando Paul Smith nos contrató para su sello y para grabar nuestro primer disco y eso fue increíble. Recuerdo que en otro momento fue cuando me dirigía a mi trabajo diario, que en ese entonces era en un estudio de abogados. Estaba en el autobús y abrí el New York Times y había una columna. Leía  todas las semanas a un  escritor llamado Robert Palmer y de repente estoy leyendo un artículo y me doy cuenta que se trataba de mi y de mis nuevas grabaciones. Y me quedé asombrado y recuerdo haber llamado  a mi madre y decirle, ya sabes, pasa a la página tal del New York Times. Disfrute mucho de hacer discos y de escucharlos en la radio y de leer las críticas en las revistas Melody Maker, New Musical Express, New York Times, Rolling Stones, Spin y muchos fanzines de todo el mundo. La verdad es que eso fue genial.

  Recuerdo ciertos conciertos, determinadas  giras y algunos momentos. Pero creo que estábamos muy orgullosos de cada disco que terminabamos en cada momento.

  

                                                 Band Of Susans 

  ¿Podrías nombrar algunas bandas que crees que no obtuvieron el reconocimiento que merecían?

  Bueno, AC Temple es una banda con la que tocamos en Inglaterra, una gran banda inglesa. Y creo que deberían haber sido mucho más grandes. Estoy quedando en blanco ahora mismo en términos de otras bandas.Sé que en el momento en que salga de esto, pensaré en veinte bandas que realmente deberían haber tenido un mayor reconocimiento.

  

                                               Stenger y Poss 

  ¿Qué consejo le darías a los jóvenes que recién comienzan a recorrer el camino de la música?

  Bueno que no consideren tener éxito comercial si lo que quieren hacer es lo que creen que es su mejor trabajo creativo. Que no  consideren que lo que creen que es maravilloso, mágico y perfecto para ellos agradará a cualquiera. Quizás a nadie le guste. Pero creo que finalmente obtendrán la mayor satisfacción si persiguen exactamente lo que quieren hacer. Esto no significa que no puedan hacer concesiones. Por ejemplo, si tienen pensado hacer una composición de dos horas lo más probable es que la gente no la vaya a escuchar. Pero si puedes realizar una concesión y hacer un fragmento de diez minutos de lo mejor de esas dos horas. Pero aún así, tienes que aferrarte a una especie de visión utópica de que si haces lo que realmente sientes es algo genial, porque al menos estarás satisfecho contigo mismo. Aunque a nadie le guste, al menos habrás tenido la satisfacción de hacerlo.  Sé que esto suena muy cursi, pero ese es el único consejo que puedo dar.

  

  ¿Contanos  dónde vivís  actualmente y qué proyectos tenes  en mente o estás llevando a cabo?

  Vivo en la ciudad de Nueva York aunque pasé mucho tiempo en Boston. Desde que formé Band Of Susans  he trabajado principalmente haciendo guitarra y electrónica, piezas y grabaciones en solitario. También trabajo principalmente con tres  coreógrafos  y actuó en vivo con ellos.  Además de hacer música grabada me he especializado en sonidos ambientales con drones, cosas más atmosféricas. Últimamente ya no escribo tantas canciones pop como antes. Porque las canciones de Band Of Susans eran realmente canciones pop. Pero en términos de canciones clásicas, con música, letras, versos y estribillos, no hago mucho de eso. Aunque espero poder seguir haciéndolo en algún momento y deseo, ya sabes, grabar un poco más. He sacado cuatro CDs en solitario y algunos casettes. Pueden encontrarme en YouTube como Robert Poss o Band of Susans. También estoy en  Bandcamp y Spotify.  Es muy fácil lanzar música digitalmente ahora, así que ya sabes, lanzo CDs pero en el futuro, puede que sean proyectos basados en descargas.

  

  https://www.robertposs.com

  https://robertposs.bandcamp.com

  12 de abril de 2024

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• Jean Smith: Memorias de una chica diferente en una ciudad normal

  

  Entrevista exclusiva 

  Fue fundadora de la banda indie  Canadiense Mecca Normal, junto a su amigo David Lester a  principios de los años ochenta.  Sus letras feministas y su compromiso político la llevaron a convertirse en fuente de inspiración para el movimiento de Arte Rock Riot Grrrl de los noventa que tuvo entre sus filas a bandas como Bikini Kill,Bratmobile y Sleater-Kinney entre muchas otras. Su canción I Walk Alone de 1986 fue creciendo en los circuitos subterráneos  hasta convertirse en un himno de culto sobre el empoderamiento de la mujer.

  Artista multifacética, Jean Smith continúa grabando discos, escribiendo novelas y sobre todo pintando retratos de pequeño formato que vende exitosamente todos los días en su cuenta de Facebook.  Una actividad que le permite solventar sus gastos diarios en Vancouver y al mismo tiempo ir consolidando el proyecto de comprar una casa para crear una residencia de artistas.

  Por Darío Falcón 

  Desde hace más de cuarenta años, Jean Smith camina sola y se siente segura en las calles de Vancouver, su ciudad natal. Allí comenzó desde pequeña a interesarse en la pintura, una actividad que compartía muy a menudo con sus padres, también artistas. En ese lugar cosmopolita expandió también, su deseo e inclinación por las bellas artes para luego involucrarse con la música. Poniendo su voz expresiva y vibrante a dialogar con las guitarras eclécticas y ásperas de David Lester, su compañero en el dúo minimal punk  Mecca Normal, que formaron a principios de la década del ochenta con el propósito de cambiar el mundo. 

  “No viviré tu vida/ Tienes tu vida definida. No viviré tu vida, no contigo/ Tengo mis sueños también”. Canta Jean en Not with You una de las canciones de su álbum debut, potente y conmovedora hasta las lágrimas en toda una declaración de principios de independencia e igualdad de derechos en cuestiones de género.

  Jean es una clara referente del activismo feminista que inspiró a muchas mujeres a transmitir mensajes políticos a través de las letras de sus sus canciones. Es una huella inevitable del movimiento Riott Grrrl que sacudió el tablero de la escena independiente de Estados Unidos iniciando los años 90 en la ciudad de Olympia, Washington. Una escena que conjugaba exposiciones de arte, fanzines, activismo y militancia política. Kathleen Hanna fundadora del grupo Bikini Kill  y Le Tigre ha señalado a la prensa: “Mecca Normal… me hizo sentir que podía hacer música política sin comprometerme a escribir grandes canciones. Me dio confianza de que estaba en el camino correcto”.

  

                                         Jean Smith y David Lester

  Jean Smith es puro corazón y rabia en cantidades poéticas iguales, con un talento inigualable a la hora de plasmar su idea del mundo sea por la vía que sea. Sus canciones,sus novelas o sus pinturas provienen desde la profundidad de sus vísceras y asoman al mundo como trazos de un color saturado, interpelando y produciendo cierta incomodidad, necesaria para escapar de los terrenos firmes de los cánones artísticos.

  “El hombre piensa “mujer” cuando me habla/ Algo no está del todo bien/ hablo con el hombre y miro a su alrededor/ Baile en un mar rodante/ El mundo es como una ola que devuelve cualquier cosa que yo arroje” canta Jean en Man thinks Woman con una desfachatez y soltura pocas veces vista. Cómo  pinceladas vocales exageradas y distorsionadas provenientes de un enorme caudal de emociones internas. Jean está ahí para sacudirte y para mostrarte su realidad  pintada con los tonos más honestos que alguien pueda trazar.

  Dice en Strong white male de su álbum Jarred up (1993): “Rudo masculino blanco/ aquí hay un mundo para ti/ Y la mayoría de nosotros somos todos unos perdedores/ tu conversación está en el sol y la lluvia/ Y la mía está en el deseo y el odio/ Mi copa está vacía/ Gracias de nuevo”.

  

  El  dúo continúa trabajando activamente desde el lanzamiento de  su álbum homónimo en 1986 hasta la actualidad, realizando exposiciones, performances, seminarios y grabando álbumes de una calidad expresiva única. Discos que muchas veces han pasado desapercibidos y no han logrado trascender el circuito underground que los representa. Su amplia discografía incluye Water Cuts My Hands ( 1991), Jarred Up (1993), The Eagle And The Poodle ( 1996), Who Shot Elvis?  (1997), The Observer (2006) y Empathy for the Evil (2014) entre otros.

  En 2019 su canción I walk Alone” apareció en la serie de televisión Better Things y formó parte de una lista  denominada “Riot Grrrl United Feminism and Punk» que armó el New York Times y que la incluyó como una de las 25 canciones que impulsaron una revolución en el rock.

  Algunos años antes Jean Smith había decidido dar un giro a su vida, renunciando a su trabajo de tiempo parcial en un departamento de jardinería en Vancouver para vender diariamente sus pinturas a través de Facebook.

  «Es importante seguir asumiendo riesgos, no el mismo riesgo, sino reinventar tu vida de forma constante»  habia señalado  Jean en Chart (1994)

  

  Hola Jean, me gustaría que me cuentes en donde naciste y cómo crees que puede haber  influido el lugar en donde te criaste en la visión del arte y de la vida misma que más adelante desarrollarias a través de la música, la pintura  y la escritura?

  ¿Había artistas en tu familia? Como te fuiste conectando intuitivamente con la musica u otros medios expresivos? ¿Te considerabas una chica distinta? ¿Cuándo te diste cuenta de esto?

  Nací en la costa oeste de Canadá, en Vancouver, en 1959. Crecí en una casa moderna estilo Mid Century  con vista a la montaña. Mis padres eran ambos pintores. Mi madre se graduó en una escuela de arte y mi padre era director de arte de una agencia de publicidad y dejó ese trabajo para pintar a tiempo completo. Era la década de 1960 y ambos pintaban tanto cuadros abstractos como paisajes y naturalezas muertas. Mi papá era un gran admirador de las pinturas de mi madre y elogiaba su sentido del color, sus atrevidas composiciones y sus técnicas. ¡Todo! Del mismo modo, ella disfrutaba mucho de su trabajo, por lo que hablaban mucho sobre las pinturas mientras las observaban juntos. Yo estaba allí, presenciando todo, absorbiéndolo, pero no intentaban enseñarme específicamente sobre eso. Escuchaban mucho jazz y disfrutaban de las cualidades estéticas de las cosas de la casa, que no tenían nada que ver con la opulencia y el estatus, sino más bien con el buen diseño. Ambos crecieron en la era de la depresión, por lo que eran bastante austeros. Mi padre creció siendo bastante pobre y, en comparación, se consideraba que la familia de mi madre estaba mucho mejor, porque su padre era copropietario de una pequeña imprenta con otros dos hombres, por lo que no es que ella creciera más adinerada, sino es que solo tenían una casa propia y la familia de mi papá se había mudado para vivir con varios parientes cuando no podían pagar el alquiler. Vivían en locales con periódicos sobre las ventanas y otros lugares poco convencionales.

  

  La casa en la que creció Jean. En la foto sentada en el suelo pintando.

  La impresión que intento dar, es la de no tener una situación típica, que hiciera más difícil saber dónde estábamos en términos de una clase social específica, pero ciertamente tenía todas las cosas que un niño podría desear. Patines para hielo, bicicletas, juguetes y ropa según fuera necesario, pero bajo la sensación general de ser austeros.

  En aquellos días no se hablaba de muchas cosas. Los niños se criaban solos y se iban a casa a comer y a ver televisión. Por ejemplo, no sabía cómo votaban mis padres. Creo que querían que ese aspecto suyo fuera privado porque vivíamos en una zona Intermedia, en lugar de conservadora o más de izquierda. Con la distinción que había entre los orígenes de mis padres, me preguntaba si votaban de manera diferente, pero muchos años después, supongo que finalmente les pregunté y se sorprendieron de que no supiera que siempre habían votado por el partido de izquierda. Para mí, era extraño no saberlo en ese entonces.

  Probablemente me resultó muy útil ver a mi padre trabajando por cuenta propia y notando un cambio sutil en la forma en que consideraba el dinero. Pasamos de nuestros grandes almacenes habituales a una tienda de gangas que tenía un olor extraño. Aceptó bastantes trabajos de arte comercial, lo que ahora se llamaría diseño gráfico, para pagar las cuentas. Entonces, obviamente, pintar no generaba suficientes ingresos, pero no noté que impactara en nuestra calidad de vida, que es quizás lo que los diferenciaba de otras familias donde el disfrute estaba más relacionado con los ingresos y lo que se podía pagar.

  Recuerdo que cada año hacía su propio calendario muy básico. Me encantaba su letra atrevida y la forma en que  depositaba su energía en este sencillo proyecto. No fue porque no pudiera permitirse un calendario regular. De hecho, varias empresas los repartian gratuitamente. Quería hacer y usar el suyo propio.

  Lo principal que pasaba en nuestra casa era pintar y hablar de pintura. Había una total reverencia cada vez que uno de mis padres pronunciaba la frase: «¡Estoy pintando!». Sé que se lo he dicho a muchas  personas ya siendo adulta, esperando de alguna manera que tuvieran la misma reacción, lo cual es ridículo. Cuando era niña, esa frase equivalía a decir: “estoy concentrado en la forma más alta de actividad del mundo y si estoy pintando nadie debería considerar interrumpirme por ningún motivo”.

  El arte creó una intensidad que no tenía nada que ver con el dinero y creo que eso se me quedó grabado, cómo una vida puede ser emocionante y apasionada de maneras que no dependan del pago por la emoción. Esto podia generarse dentro de uno mismo y con colaboradores si no se permitía que otras personas devaluaran e interfieran en  el proceso de creación artística. Un par de colores y unas pocas líneas podían  generar muchos comentarios y entusiasmo. Fue casi como una elevación. Una euforia autoinducida. Cuando era niña, esto sucedió una y otra vez y yo fui parte de ello. Experimentar y comprender qué formas de hacer las cosas generaban un  mayor entusiasmo es una excelente manera de aprender, pero estar expuesto a este entorno sin un contexto definido de cómo se compara está forma con lo que hacían otras familias puede haberme puesto en desventaja siendo una joven adulta. La forma en que otras personas estructuraban sus vidas parecía un poco deprimente, pero eran normales y seguían un camino u otro que tenía sentido en relación al rol que desempeñaban.Estaba más interesada en crear y mantener el entusiasmo dentro de alguna forma de simplicidad colaborativa.

  Fui a la escuela de arte inmediatamente después de la secundaria y luego la dejé a mediados del segundo año porque no estaba obteniendo lo que quería de ella. Los otros estudiantes venían de toda la provincia con antecedentes mucho más convencionales que el mío, y los profesores parecían inculcarles mucha información de una manera que me ofendió, al considerar cómo había llegado a donde yo estaba, en mi forma de acercarme al arte. Fue un sentimiento extremadamente lúgubre y muy forzado.

  

  En algún momento del camino, mi papá me dio un consejo que se me quedó grabado. «Protege tu creatividad». Estar en la escuela de arte amenazaba mi creatividad y la dejé.

  Conocer a David y descubrir que tocaba música finalmente me inspiró a escribir algunas letras e introducir la idea de cantar con su guitarra eléctrica.

  Este año se cumplen 40 años de la formación de Mecca Normal y 38 del lanzamiento de su álbum debut que contiene el clásico de culto «I walk alone». Con David Lester eran compañeros de un periódico. Me gustaría que me cuentes como fue que de la escritura pasaron a formar una banda en formato minimal ( guitarra y voz)? ¿Qué discos y qué grupos los animaron a dar ese salto?

  David Lester y yo nos conocimos en un periódico comunitario donde ambos trabajábamos en el pequeño departamento de producción. Básicamente éramos solo nosotros dos y nuestro jefe con quienes nos llevábamos de manera amistosa. A principios de los años 80, los periódicos se hacían cortando y pegando sus partes para imprimirlos fotográficamente. Yo acababa de regresar de un viaje de seis meses por Europa viviendo en una furgoneta VW, contemplando todo el arte que podía ver en todos los museos. Me gustaba el rock y la New Wave. También tuve algunos álbumes de jazz. 

  

                   Jean a los 21 años luego de regresar de su 

                                                            viaje por Europa 

  David había estado en bandas y había asistido a muchos conciertos de rock más importantes y espectáculos de punk locales. Cada semana, cuando terminábamos de enviar el periódico a la imprenta, un grupo de nosotros salíamos a tomar unas copas y luego algunos de nosotros seguíamos de largo para  ver tocar a algunas  bandas en un pequeño club. Respecto de la música a nivel local, al enterarme que había una escena conformada, me interesé y a través de David vi cómo funcionaban las cosas.

  David había vivido un tiempo en Londres durante la era punk, por lo que compartió mucha música de esa época conmigo, de las cuales mis favoritas serían Raincoats, The Slits, Au Pairs, X-Ray Spex, CRASS, Poison Girls. así como los Sex Pistols, PiL y Stiff Little Fingers.

  

  Recordas como estaba conformada la escena independiente en Canadá durante la primera mitad de los años ochenta? En qué lugares y con qué bandas solían tocar y compartir escenario?

  Debido a que Vancouver está muy cerca de la frontera con Estados Unidos, Mecca Normal tendía a ir hacia el sur, a Seattle y luego a Los Ángeles, tocando en unas ocho ciudades y pueblos. También hicimos muchas entrevistas en la radio universitaria que programabamos con anticipación porque teníamos muchas cosas que queríamos decir sobre las organizaciones de base, el feminismo, la pobreza y el derecho a la vivienda, en lugar de querer simplemente promocionar nuestros álbumes. Esta resultó ser una excelente manera de conocer gente en los shows que estaba interesada en las mismas cosas que nosotros.

  Después de lanzar nuestro primer LP a principios de 1986, conocimos a Calvin Johnson de K Records en nuestro show en Olympia, Washington. ( Nota: Calvin Johnson es el guitarrista y vocalista de la banda de culto Beat Happening. Su sello independiente se convirtió en una pieza fundamental de la escena indie norteamericana. Kurt Cobain tenía tatuado en su brazo el logo del sello). 

  El estaba muy interesado en nosotros y luego se ofreció a sacar un single y luego varios álbumes. Olimpia se convirtió en cierto modo en nuestro segundo hogar. Grababamos allí, nos quedábamos en muchas oportunidades y logramos hacer muchos amigos en esa escena.

  

  No hicimos muchas giras en Canadá porque tiene una población mucho menor y las distancias son muy grandes entre ciudades viables. Y yo soy la única conductor de la banda … Pero sobre todo es porque encontramos un grupo de personas a las que realmente les gustaba lo que estábamos haciendo y nos convertimos en parte de esa escena.

  ¿Cómo te llevas con esta realidad de ser una banda de culto y al mismo tiempo una referencia ineludible para muchas bandas de chicas que surgieron después y levantaron la bandera del feminismo y el empoderamiento de la mujer?

  Estar activos e involucrados durante el inicio del Riot Grrrl fue interesante porque conocíamos a los cofundadores del movimiento y sabíamos que Mecca Normal los había inspirado de varias maneras. Yo solía hablar mucho entre medio de las canciones desde el escenario y decía que las mujeres deberían formar bandas con sus amigas. Nuestras canciones tenían letras feministas y además, el formato de la banda con un hombre y una mujer trabajando juntos sin otros instrumentos inspiró a bandas no tradicionales.

  Siempre he apreciado mucho que Kathleen Hanna de Bikini Kill haya incluido a Mecca Normal cuando habla de influencias. Eso nos mantiene siempre presentes, pero también muestra una generosidad que inspira una mejor forma de ser. En lugar de dejar de lado los grupos que vinieron antes.  Creo que hablar sobre influencias es importante para las mujeres que están considerando formar bandas. Esto muestra cómo funciona y que existe una especie de reverencia e inclusión en contraposición a mentalidades más competitivas como ganar y excluir. Para mí, hacer eso es político por naturaleza. Para dejar espacio a bandas más pequeñas que eran importantes para ella y otras personas de una época anterior. También está validando que nuestro objetivo de cambiar el mundo se cumplió. Incluirnos como punto de referencia demuestra que el mundo puede cambiar para mejor.

  

  En términos de ser una banda de culto, no me parece que haya nada con qué lidiar en términos de cómo la gente considera a Mecca Normal. No creo que a las personas a las que les gustamos esté interesada en la cultura de las celebridades. Tengo la impresión de que nuestros fans tienen una comprensión más realista de lo que se necesita para mantener una banda durante todos estos años. Probablemente piensen en eso y sientan empatía por los diversos giros y vueltas que hemos experimentado. Entienden lo que nos motiva y algo sobre eso y los sonidos que hacemos resuenan con ellos.

  Es más probable que David y yo desaconsejemos cualquier tipo de asignación de estatus. Nos hicimos amigos de muchos de nuestros primeros fans cuando parecía que teníamos muchos bibliotecarios y personas que usaban gafas entre nuestro público. Siempre pareció ser una especie de fiesta de nerds. Conocimos a bastantes científicos y académicos. Somos una banda lo suficientemente pequeña como para poder conocer gente entre el público en los shows. Hacemos nuestras propias ventas de productos y conocemos gente de esa manera. Ser accesible desalienta la actividad extraña de los fanáticos.

  

                                              Mecca Normal (1986)

  ¿Tenes presente el primer concierto que realizaron fuera del país? Contame un poco mas sobre eso y de qué forma fueron ganando más visibilidad con el transcurso del tiempo?

  Los primeros shows de Mecca Normal fuera de Canadá fueron en 1986 en una gira de Vancouver a Los Ángeles llamada Black Wedge, nombre que tomamos en cierto punto  del  Red Wedge de Inglaterra, que incluía a Billy Bragg y algunos otros tipos socialistas. El “negro” en nuestro nombre se refería a perspectivas anti-autoritarias.

  El hermano de David, Ken Lester, era el manager de DOA en ese momento, por lo que confiaba en algunas de esas conexiones de hardcore punk para reservar los shows, pero éramos un grupo de bandas minimalistas y poetas que buscaban aplastar el capitalismo y el sexismo. DOA nos prestó su viejo autobús escolar para esta gira y recuerdo que no tenía idea de cómo serían los espectáculos en Estados Unidos. Fue un poco aterrador porque había estado en muchos recitales de punk en Vancouver que alguna vez tuvieron una escena decente, pero era imposible adivinar qué tipo de interés obtendría este extraño programa de poesía y guitarras.

  

  Tuvimos excelentes conversaciones a lo largo del camino, nos quedamos con algunas personas interesantes, presentamos nuestros programas para audiencias bastante pequeñas, hicimos algunas entrevistas en la radio universitaria y ¡no quería que esto terminara! Mientras Ken había reservado esa gira, David y yo reservamos una gira similar en Canadá el verano siguiente con algunos de los mismos artistas y algunos nuevos. Todo fue muy intenso porque la mayoría de la gente no se conocía de ninguna de las giras, así que estábamos todos juntos en este viejo autobús escolar, escuchando el material de cada uno por primera vez antes dell primer show.

  Tampoco éramos exactamente niños en ese momento. Teníamos veintitantos años. Algunos de los otros involucrados tenían unos 30 años. Ken había sido un radical de la década de 1960 en el movimiento Hippie, que era una rama contracultural orientada a la juventud de los movimientos por la libertad de expresión y contra la guerra, por lo que, por extensión, trajo ese elemento de poesía beat desde un lugar auténtico. Fue mucho lo que asimilar en el camino, considerando que todos teníamos diferentes perspectivas y posturas políticas, que también eran el foco del material que estábamos interpretando. Había un hilo de anti-autoritarismo que recorría las giras de Black Wedge.

  No fue ningún tipo de plan, pero cubrimos mucho terreno por varias razones. Las giras de Black Wedge no estaban relacionadas con la escena de K Records en Olympia, después de lo cual hicimos unas 6 giras en Europa organizadas por un fan que nunca había reservado ninguna gira anteriormente, pero que luego contrató a muchas otras bandas. Luego me fui a vivir a Nueva Zelanda donde aprendí mucho sobre su escena DIY y la grabación de 4 pistas. No adoptamos un enfoque formulado ni hicimos crecer la banda de una manera tradicional. Seguimos teniendo experiencias interesantes conociendo y trabajando con gente nueva de diferentes círculos. ( Nota: Entre 1994 y 1997, Peter Jefferies ( Nocturnal Projections y This Kind Of Punishment) , Michael Morley ( Wreck Small Speakers on Expensive Stereos y The Dead C) y Jean Smith trabajaron juntos y formaron el grupo 2 foot flame grabando algunos álbumes experimentales y realizando giras por Estados Unidos, Europa, Australia y Nueva Zelanda mientras vivían en Vancouver, Canadá y Dunedin, Nueva Zelanda).

  

                                              2 Foot Flame

  Mecca Normal es una banda que se caracteriza por ser distinta al resto, tenes una voz extremadamente expresiva y peculiar. Ser diferente tiene su precio? En este caso cual seria el costo a pagar ( si es que hay alguno) por escapar o por  no utilizar ciertos cánones artísticos y cual seria su beneficio?

  El beneficio de no crear esencialmente una versión de un canon artístico existente es que avanzar por un rumbo idiosincrásico puede ser absolutamente emocionante. Cuando sucede algo bueno, se siente como un éxito mayor cuando no es predecible. Comenzar nuestra inusual banda nos conectó con personas que también sentían que las cosas podían suceder de otras maneras además de simplemente repetir lo que ya existía. No sólo en la música, sino en la cultura y la sociedad en general, entre hombres y mujeres, en la economía, en el desafío a las estructuras opresivas. Creo que cuando haces algo auténticamente diferente y lo perseveras porque representa y refleja un mundo mejor para más personas, sientes cada fracaso y éxito con mayor intensidad.

  Si hay un precio que pagar, es no ser considerados como parte de cualquier pandilla que esté en la cancha en un momento dado. Puede que sea difícil de traducir. Puede que sea más fácil funcionar dentro de una escena conocida que atrae a todos a medida que aumenta la popularidad.  Pero creo que tenemos una cierta  aversión a ser como cualquier otra persona cuyo reconocimiento viene de la mano  de las tendencias. En cierto modo, estar asociado con Riot Grrrl cuando no somos Riot Grrrls es una proximidad bastante cercana a una escena específico. Éramos 10 años mayores que las Riot Grrrls, más antiguos y llevábamos haciendo música durante casi 10 años en ese momento. En general, ha sido útil para agregar contexto y atraer nuevos oyentes, pero me pregunto qué habría pasado si no nos hubieran definido principalmente como una inspiración para los cofundadores de Riot Grrrl. ¿Estaríamos ahí flotando solos o nos describirían como punk político o algún otro término? O tal vez no hubiéramos sido realmente conocidos de esta manera. Quizás estaríamos repartidos en varios escenarios, identificados de manera diferente por cada persona que nos conociera. En realidad, eso parece más interesante.

  La pandemia detuvo nuestras actividades justo en el momento en que estábamos ensayando para abrir un par de shows de Bikini Kill. Ya me había centrado en vender mis pinturas en FaceBook durante algunos años, pero dos eventos importantes de los medios de comunicación enviaron mis ventas a la estratosfera. En cierto modo, la pintura es una extensión de gran parte de Meca Normal en términos del DIY ( Hazlo tu mismo) y el acceso para personas que no tienen mucho dinero. Para mí, el precio de 100 dólares por una pintura es como el billete de 5 dólares de Fugazi. ( Nota: Fugazi fue una banda estadounidense de post hardcore formada en 1986 en la ciudad de Washington D. C., conocida por su postura ‘hazlo tú mismo’ (Do it yourself).Se hicieron conocidos como Fugazi por su modo de funcionar: cinco dólares por concierto, ningún tipo de promoción a través de videoclips, diez dólares por disco, creando una resistencia a la tendencia general del mercado norteamericano y al estilo de vida estadounidense).

  

  Como fue la experiencia de comenzar grabando en Smarten Up! el sello que crearon con David en 1985, a ser fichados en 1991 por Matador Records  con quién lanzaron álbumes como Water Cuts My Hands , Sitting On Snaps, The Eagle & The Poodle y Who Shot Elvis? Hubo ganancias y pérdidas en este salto? En cuanto a reconocimiento y libertad creativa me refiero…

  El nombre de nuestro sello discográfico surgió de mi fanzine de mediados de los 80, “Smarten UP!” que llevaba el subtítulo “Una publicación sobre cómo cambiar el mundo”. Es interesante ahora, después de todos estos años, que cambiar el mundo siga siendo un factor en lo que hago. Es un concepto bastante abierto que hemos definido de varias maneras, incluido cambiar el mundo con más mujeres en bandas, lo que, en parte, inspiró el movimiento Riot Grrrl y mi actual proyecto de residencia artística para un cambio social progresivo.

  Nadie ha expresado nunca demasiado interés en reducir nuestra libertad creativa. Estar en Matador después de K Records parece habernos dado más exposición porque Matador tenía más personal y un mayor presupuesto para prensa, publicidad y arte. Creo que era una opción razonable para nosotros porque no buscábamos un sello con bandas similares a la nuestra. Normalmente nos gustaba abrir espacios en carteles más grandes con bandas más conocidas para poder actuar frente a personas que nunca habían oído hablar de nosotros. Si les agradamos o no, no era esencialmente parte de la ecuación. A los que encabezaban el cartel les gustó la idea de exponer a sus fans a bandas que a ellos les gustaban, bandas que no eran como ellos. Estoy pensando en Fugazi aquí. Tocamos con ellos en Seattle, Vancouver, Olympia y Nueva York y yo diría que no les agradamos mucho al público, pero a medida que pasaron los años, hemos escuchado a algunos de esos jóvenes en esos shows que nos han contactado para decirnos que les abrimos los ojos a otros tipos de música y formas de pensar y lamentaron habernos arrojado ese zapato o lo que sea. Esto es más lo que hacemos que agradar.

  

          .      Mecca Normal, Water Cuts My Hands

                                        (Matador Records. 1991)

  ¿Con qué disco de la banda te sentis mejor representada desde el primero hasta el último que grabaron?

  Sitting on Snaps (1995) fue parcialmente escrito y grabado en diferentes lugares durante una gira. Es una anomalía en ese sentido. Hay algunas canciones experimentales y algunos músicos que participaron en un par de canciones. Creé e interpreté una canción por mi cuenta en el estudio. Estábamos en Europa y en las costas este y oeste con cierta influencia de Nueva Zelanda. Por estas razones, se siente como un álbum que nos representa funcionando en condiciones que no son ideales, trabajando juntos bajo presión, usando la energía y la emoción de los shows en vivo para escribir y grabar entre presentaciones. Fue nuestro séptimo álbum, diez años después del primero. Estábamos evolucionando hacia un nuevo territorio musicalmente, en términos de intereses, inspiración y en nuestra vida personal.

  

  Tuviste tu experiencia solista  en el año 2000 en el sello Kill Rock Stars, grabando un álbum más experimental y caótico. ¿Cómo atravesaste este proceso?

  Mi álbum en solitario salió en 2000 en Kill Rock Stars. Lo grabé en Olympia con Pat Maley, quien grabó algunos álbumes de Mecca Normal y siempre fue un gran apoyo, así que sentí que podía ser completamente creativo sin preguntarme si mi ingeniero tendría contexto y paciencia. Teníamos una buena relación. Al final, mezclé mucho yo sola, en el estudio. Eso fue emocionante. Toqué piano, saxo, guitarra eléctrica y acústica con percusión limitada y algo de voz. Hice algunos shows individuales cuando salió. De hecho, Godspeed You Black Emperor!  Me pidieron que abriera para ellos en una gira por la costa oeste, lo cual fue genial, pero les pregunté si Mecca Normal también podía tocar y les pareció bien. Siempre todo es más divertido si David está involucrado.

  

  Es gracioso lo que sucedió con ese álbum. Porque no creo que fuera lo que mucha gente esperaba o quería de mí, pero quedé muy contenta con ello y de vez en cuando alguien me contacta al respecto. Hace unos años, Chris Brokaw (guitarra tanto en Come como en Codeine) estaba en Tokio en un club donde un DJ tocaba una pista de saxo y piano y Chris se acercó a preguntar quién era porque le gustaba. En ese momento ya me había comprado algunos de mis cuadros. Son ese tipo de cosas las que tienen significado. El trabajo se hace, se abre paso por el mundo y hay fragmentos de evidencia de quienes lo escuchan, ya sea de alguien en un espectáculo, una reseña o algún club en Japón años después. Estas experiencias combinadas forman una narrativa única que es muy diferente a vender cientos de miles de discos y que la gente te idolatre porque piensan que eres algo que tú mismo no reconoces exactamente.

  Habiendo experimentado un mayor nivel de atención con mi pintura, no creo que hubiera querido esa intensidad para Mecca Normal. Estar aquí sola en esta sala fue mucho más fácil para navegar la afluencia y demanda de  mis pinturas de lo que hubiera sido para Mecca Normal experimentar la fama, por extraño que parezca, durante la gira. Tocamos algunos espectáculos importantes de vez en cuando, pero nuestro papel era muy diferente al de los cabezas de cartel.

  

  En 1993 publicaste tu primer libro I can hear me fines, luego. The Ghost understanding: a novel y Family Swans and other songs en 2001… ¿Cómo te organizas para desarrollarte en tantas disciplinas y lograr que tú cabeza no explote? Hay una correlación entre música y escritura o ambas te aportan una nutrición distinta?

  A lo largo de todos estos años, en realidad es menos claustrofóbico haber tenido diferentes cantidades de tiempo para diferentes disciplinas. En lugar de resolver cada detalle de antemano, normalmente comenzamos lo que queremos hacer y abordamos los problemas según sea necesario, a medida que van surgiendo. Tuvimos la suerte de tener gastos generales reducidos ya que un grupo de dos viajaba en automóvil en lugar de camionetas con toneladas de equipos de sonido.  Con sólo dos personalidades en juego, todo fue más fácil.

  En cuanto a las áreas específicas de enfoque, diría que fueron de la música a la escritura y luego a la pintura. Durante años la escritura y la música fueron al mismo tiempo hasta que comencé a escribir mi segunda, tercera y cuarta novela que aún no se han publicado. Las letras de las canciones de Mecca Normal a menudo salían directamente de las novelas de la época de “The Family Swan” y “Empathy for the Evil” (mediados de la década de 2000), mientras que, durante la época de “I Can Hear Me Fine” convertí partes de la novela en canciones.

  De todos modos, hubo mucho tiempo para toda estas acciones. Mi enfoque cambió según el interés, que no es algo que las bandas que triunfan siempre puedan hacer. Si tienes la suerte de vender muchos discos y ganar dinero, tienes gente que confía en ti. La gerencia, el sello, los roadies, etc. Todas estas personas necesitan que el artista continúe haciendo arte de la misma manera que ya se está vendiendo. Puede parecer fantástico estar en esa posición, pero hay mucha presión ahí. Hay mucha más libertad para evolucionar en escenas underground y DIY donde las ventas no definen tu producción creativa.

  

  Mi primera novela, I Can Hear Me Fine, tiene una especie de energía de banda en gira mientras salta a través de diferentes lugares con una trama algo experimental. El tipo de pensamiento que exhibe el personaje principal es bastante fluido en la forma en que la vida en la carretera, en la gira, resulta en una continuidad escalonada, puntuada por espectáculos. Casi parece un álbum de canciones, algunas de las cuales repiten varios temas.

  David siempre me ha apoyado mucho en mi escritura, así como en mi canto y pintura. Siempre ha sido un gran amigo y colaborador. Es extremadamente trabajador y disciplinado en su práctica artística. Estoy bastante seguro de que fue David quien dijo: «Toma algo que te importe y conviértelo en tu vida». Si no fue él, ciertamente refleja su posición sobre vivir una existencia llena de arte.

  En 1993, creó su pequeño sello editorial Get to the Point para publicar mi primera novela. Fue realmente emocionante incluirlo en nuestra mesa de merchandising durante la gira. Es muy emocionante ver a la gente parada allí leyendo secciones del mismo, comprándolo y hablando de ello. Ese proyecto fortaleció el concepto de que no éramos sólo una banda. También me elevó como escritora y autora de nuestras letras. Reconocimos que nuestros fans también estaban interesados en la literatura. Años más tarde, cuando agregamos exhibiciones de arte a nuestros recorridos, sucedió lo mismo. La gente interesada en nuestra música también se interesó en nuestro arte, algunos de los cuales tenían un contenido político específico.

  

  Además de todo esto sos pintora y podría decirse que uno de tus puntos fuertes es el autorretrato. ¿Por qué elegiste este género? ¿Qué ves de atractivo en él? ¿Tenés pintores que consideres referentes?

  Comencé a pintar autorretratos cuando era una adolescente, a mediados de los años 70. En cierto modo, tenía que trabajar con mi cara. No tenía que considerar si a otra persona le gustaba cómo la había  pintado. Yo era un sujeto dispuesto y abierto a la interpretación.Pinté mi rostro regularmente hasta los 20 y luego me propuse hacer un autorretrato cada año durante una época en la que pintaba más paisajes que cualquier otra cosa, hasta 2016, cuando decidí vender una pintura diaria en Facebook por 100 dólares.

  

  Tenía la intención de pintar y vender paisajes, pero usé una pintura de una mujer con sombrero para publicar el anuncio de mi proyecto. Otro pintor quería comprar esa pintura y luego tal vez había otras 6 personas interesadas, una de las cuales dijo que quería lo que yo pintara a continuación. Entonces me di cuenta de que la gente estaba interesada en los retratos incluso si no conocían al sujeto o incluso si el sujeto no era una persona real, sino más bien una imagen centrada en la emoción, el color, la composición y la técnica.

  Cómo lograste comenzar a comercializar tus pinturas algo que podría resultar más difícil que vender un disco o un libro…por ser un circuito más chico o más cerrado. Los artistas visuales suelen tener muchas veces un panorama más desalentador o más complicado… ¿Lo ves de esta manera?

  Publicar mis pinturas en Facebook significó que pude mostrarlas a muchas de las personas que habíamos conocido a través de las conexiones de Mecca Normal. Durante los primeros años solo vendí aproximadamente la mitad de lo que pinté y publiqué, pero luego, en 2020, una mujer que no conocía comenzó a comprarlos en grupos hasta comprar los 250 que quedaban. Esto comenzó a aumentar la demanda ya que muchas personas deseaban haberlos comprado cuando eran fáciles de conseguir. En ese momento, cada cuadro se vendía inmediatamente.

  Luego recibí un correo electrónico de un escritor preguntándome si le contaría mi historia para la revista New York Times. Había sido compositor de música, por lo que conocía Mecca Normal y había comprado un par de cuadros. En ese momento me había dado cuenta de que mi apartamento en Vancouver estaba en peligro y estaba considerando dónde podría mudarme si me desalojaban. Sentí como si tuviera que dejar Vancouver y sus altos alquileres. Mi plan general era tener un lugar que tuviera espacio para que otros vinieran y se quedaran de la misma manera en que hemos sido alojados a nosotros a lo largo de los años durante nuestras giras. Llamé a la idea Residencia gratuita de artistas para el cambio social progresista porque describe mejor el tipo de personas cuyo trabajo me inspira. En ese momento, sin el suficiente dinero para comprar una casa decente, estaba mirando edificios no muy buenos muy lejos, con la esperanza de tener eventualmente lo suficiente para comprar un lugar habitable más cerca de Vancouver, para seguir trabajando con David.

  Estaba muy entusiasmada con el artículo del NYT, así que lo publiqué en Facebook e inmediatamente un productor de CBC Radio, la cadena nacional de Canadá, me contactó para preguntarme si podía hacer una entrevista en un programa de entrevistas muy conocido. Eso fue en septiembre de 2020, 6 meses después de la pandemia. Había algo en cómo le expliqué todo sobre las pinturas diarias de $100 USD, la residencia del artista y mi deseo de hacer que sucedan cosas buenas. Fue una tormenta perfecta de potencial y esperanza, y miles de personas pasaron de su radio a Facebook, me encontraron y empezaron a intentar comprar los cuadros del día. Rápidamente comencé a pintar en tamaños más grandes, pedí estos nuevos lienzos, pinté sin parar y creé un grupo para vender estos lienzos de 16 x 20 por $600 USD. Salieron volando por la puerta. Luego, meses después, cuando se publicó la historia del NYT, me inundaron totalmente de correos electrónicos, mensajes y personas haciendo fila para comprarlas , así que comencé otra serie llamada 3 o más grandes y les pedí a las personas que dijeran cuál de mis temas querían. . Pionero de la aviación, astronauta, sombrero, gorro de baño, collar con gorguera, etc. Así que tenía un hilo con cientos de personas enumerando lo que querían. Me comuniqué con ellos y les mostré opciones. Eso funcionó bastante bien, pero me tomó mucho tiempo esperar a que se comunicaran conmigo. Había una demanda tan grande que comencé a publicar series de 6 grandes y tenía 20 personas que querían eso. Tendría tal vez 6 conjuntos similares listos para usar (36 pinturas por semana) y me comunicaría con las otras personas en la lista y les mostraría esos conjuntos adicionales. No hace falta decir que estaba pintando mucho. Vender, empaquetar y enviar cantidades locas. He vendido más de 4000 pinturas desde que salió al aire la entrevista de radio CBC.

  

  Pude mantener la energía durante un par de años, pero la economía y la naturaleza de la demanda han reducido enormemente las ventas, pero casi tengo suficiente para comprar un lugar decente para la residencia en una pequeña ciudad no muy lejos de Vancouver. Sería mejor poder quedarse en Vancouver, pero es uno de los lugares más caros del mundo para comprar propiedades.

  He tenido algunos otros artículos desde entonces, pero ninguno generó ventas adicionales. Había algo único en esa época y en la forma en que la gente gastaba dinero en arte. No estaba sola. Otros artistas experimentaron un aumento en sus ventas, pero mi situación fue excepcional. La gente estaba atrapada en casa y tal vez la naturaleza esperanzadora de mi proyecto los hizo sentir involucrados de una manera que les resultó útil. Lo cual es un hilo conductor intencional y repetido a lo largo de todo nuestro trabajo. Sígueme en Facebook si quieres ver cómo resulta todo con la residencia de artistas.

  

  Has dedicado prácticamente toda una vida al arte… ¿Qué le dirías a los jóvenes que recién están comenzando a desarrollar su propia mirada del mundo?

  Creo que es una mejor experiencia para la vida involucrarse en alguna forma de arte y expresión. Hacer arte puede, en diferentes momentos, parecer que es lo mejor de la vida. Sólo él puede llevarte a la siguiente sección del tiempo. Solo continúa. Ese es el truco.

  

                        Mecca Normal. The Observer (2006)

  8 de marzo de 2024

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• Steve Mason de Beta Band: Hermanos y hermanas del mundo unidos contra un  sistema decadente y desigual 

  

  Entrevista exclusiva 

  Por Darío Falcón 

  Desde sus primeros pasos en la música al frente de la banda escocesa The Beta Band, Steve Mason ha iniciado un proceso de experimentación sonora que aún no parece encontrar límites. Folk, psicodelia,  electrónica,  rock, gospel y trip hop. Un músico innovador y con una visión política del mundo claramente definida que acaba de editar el álbum «Brothers and Sisters«, una diatriba perfecta contra el Brexit que ha atraído aparejadas nuevas formas de  xenofobia  y  discriminación racial en el Reino Unido. Cuando a principios de los años noventa la escena británica parecía estar cooptada por el auge nacionalista del britpop, un grupo de amigos de la ciudad escocesa de Edimburgo decidieron juntarse y dar forma a una nueva concepción de hacer música con ciertos parámetros de libertad exploratoria que los llevo a ser uno de los mayores referentes de lo que se denominó “Nueva psicodelia”.

  

                                                             The Beta Band 

  La visibilidad del grupo comenzó a ser mayor luego de que una canción suya apareciera en una escena del film Alta Fidelidad de Stephen Frears. Dry the Rain se convirtió en bandera de un grupo de forajidos con deseos de sacudir estéticamente el circuito del rock que hasta el momento era partidario de cierta ortodoxia. Hasta el propio Noel Gallagher se declaró fan de la banda y mencionó en alguna oportunidad que le gustaría que su banda Oasis sonara en vivo como ellos.

  Pero como la mayoría de las veces la calidad y el compromiso de una obra no es proporcional al rédito comercial obtenido, el rumbo de algunos grupos toma giros inesperados. Después de lanzar el excelente Heroes to Zeros, The Beta Band anuncia su separación allá por agosto de 2004.  Y cuando el sueño de renovación parecía haber concluido, Steve Mason inicia su propia carrera solista que ha incluído proyectos como King Biscuit Time y Black Affair,  hasta que en 2010 edita el primer álbum con su nombre llamado Boys outside. De ahí en adelante siguieron una serie de álbumes que continuaron con la línea no convencional de sus producciones anteriores.

  

  Steve Mason, Monkey Minds in the Devil’s Time (2013)

  Con la edición de Brothers and Sisters en mayo de 2023, Mason deja bien en claro su postura estética y política frente a un mundo que le disgusta. Un disco espiritual y conmovedor escrito en pandemia, cargado de intenciones transformadoras, frente a un panorama mundial que amenaza con destruirlo todo. Un álbum contra el Brexit y a favor de la inmigración, que cuenta con la participación del célebre cantante paquistaní Javed Bashir, los cantantes británicos de gospel Jayando Cole, Keshia Smith, Connie McCall y Adrian Blake y Kaviraj Singh en el santoor. 

  “Intentaste tomar mi cielo/Intentaste tomar mi nombre/ esta es la gente hablando /No somos todos lo mismo” canta Mason interpelado a la resistencia no solo cultural sino a través de un activismo político contra el imperialismo del que ya viene dando muestras desde hace muchos años. Allí junto a Bashir el cantante reconocido por sus canciones para el cine de Bollywood, el ex- Beta Band redobla la apuesta y va por todo en un himno catártico compuesto en tiempos de la Pos-verdad. Con un vídeo visualmente muy atractivo, filmado por James Hankins  en todo el sur de Inglaterra y Lahore en Pakistán.

  “Para mí, este disco es un enorme ‘Vete a la mierda’ al Brexit”, explica Mason. “Y un gigante “fuck You”’ a cualquiera que esté aterrorizado por la inmigración porque no hay nada que la inmigración haya traído a este país que no deba ser aplaudido. ¿Te imaginas cómo sería este lugar sin eso [la inmigración]? Quiero decir ¿cómo sería? ¿Empanadas de Cornualles y baile morris?  Señaló Mason a la prensa.

  En la canción que da título al disco, Mason parece lanzar un grito de unión fraternal entre las culturas, allí en  dónde las fronteras se borren y la pesadilla de vivir ahogados en el ritmo frenético que la vida productiva de este nuevo siglo nos impone de manera efectiva, desaparezca de una vez por todas.

  “Entonces la música murió /Y todo lo que amamos antes/se ocultó. Hermanos y hermanas suban el volumen/necesito estar en dónde otros sientan lo mismo que yo/Quiero encontrarme con un comerciante en la esquina/Quiero abrazar a un extraño en las luces/hemos sido infiltrados/Quien habla por nosotros está automatizado”

  La portada del álbum estuvo a cargo de un fotógrafo marroquí que Mason conoció a través de instagram y que llamó su atención ya que el artista usaba en sus imágenes ropa que alguien había diseñado creando imágenes hermosas y provocativas. “ Tenía dos ambiciones: en primer lugar confiar en Artsi y darle mi álbum para que lo use como plataforma para su arte y en segundo lugar dibujar las ideas dentro de mi música y letras y destilarlas puramente en cuatro imágenes” dijo Mason.

  

                                          Brothers and Sisters (2023)

  Brothers and Sisters además de erigirse como uno de los álbumes más sólidos del músico escocés presenta todas las condiciones para llegar a audiencias aún mayores. Canciones listas para sonar en la radio que subvierten al mismo tiempo a través de sus letras, un mensaje que desafía las convenciones individualistas del nuevo mundo. Un llamado a la unión, a la acción al mismo tiempo en diferentes lugares de culturas vilmente oprimidas por la hegemonía del descarte.

  Pero no todo es político de manera evidente en este trabajo, hay allí también lugar para composiciones más íntimas en dónde el músico nacido en Edimburgo nos revela un estilo de vida más profundo, extremo y visceral. Pieces Of me plantea la necesidad imperiosa del artista de construir relaciones más sólidas y sinceras. Lo vincular aparece aquí planteado en términos de intransigencia en cuanto al vacío de lo material.

  “Me siento aquí a la luz de la luna/ Pensando en todos ustedes/ Y me pregunto si dije la verdad/ no tendría amigos en absoluto /Pero yo no puedo seguir a los tontos/ a la mierda con tu piscina climatizada”

  Brixton frish Fry cantada nuevamente con Javed Bashir es una pieza magistral que combina Hip-Hop, Gospel, y melodías de medio Oriente en una perfecta ligazón sonora con tintes de himno multitudinario de protesta.

  “Soy gente/ ustedes son personas/ Ellos son personas/ Somos personas/ no se quienes somos/ no se quienes somos”

  Es un claro intento de afirmación y duda sobre la igualdad de derechos en un mundo que vira posiblemente cada vez más hacia ideologías de ultraderecha en dónde el odio discriminatorio de quienes se ubican en un estadio superior, parece ponerse a la orden del día.

  

                                            Steve Mason y Javed Bashir

  «Paremos la inmigración y comencemos la repatriación», decían algunos carteles de manifestantes de derecha en el Reino Unido. «No vamos a permitir crímenes de odio o este tipo de ataques». Había señalado  el primer ministro británico, David Cameron en Junio de 2016, refiriéndose también al aumento que ha habido en el número de denuncias sobre incidentes racistas y xenófobos contra inmigrantes desde que los votantes en Reino Unido decidieron que su país abandone la Unión Europea (UE). «Tenemos la responsabilidad de unir a nuestro país», dijo Cameron, quien consideró inaceptable el abuso verbal sufrido por miembros de minorías étnicas en Reino Unido en los últimos días y que ha sido denunciado por múltiples usuarios en las redes sociales.

  Brothers and Sisters llegó en el momento adecuado para enfrentar una modalidad social parcial que fomenta una nueva  forma de segregación social y refuerza la idea de que existen ciudadanos de primera y de segunda categoría e incluso mucho peor. Steve Mason en un acto de coraje artístico sin importar las consecuencias, pone en relieve todas estas bajezas, dando cuerpo a un álbum  artísticamente inmejorable, en medio de un clima tenso en dónde la violencia cotidiana y las guerras, han vuelto nuevamente a ocupar el trono más sórdido de la humanidad. 

  

  Hola Steve,  han pasado más de 25 años desde el lanzamiento de The Three Ep ‘s de The Beta Band y muchas cosas sucedieron durante ese tiempo. La banda grabó cuatro álbumes increíbles. Luego se separaron, Comenzaste King Biscuit Time, luego Black Affair y finalmente decidiste grabar los álbumes bajo tu nombre. ¿Cómo ves tu evolución en retrospectiva? ¿Estás satisfecho con ello? ¿En qué cosas notas que has cambiado en cuanto al sonido de tu música?

  Supongo que veo mi evolución en retrospectiva de una forma bastante natural en una especie de hermosa progresión. Seguir con The Beta Band fue algo bastante difícil. Porque habíamos hecho mucha música ( habíamos revuelto muchos sonidos en la olla,) entonces era un poco complicado saber exactamente qué hacer después de eso. Y supongo que quizás por ese motivo supe que era la hora de encarar mi proyecto como King Biscuit Time. Fue un momento en el que sentí que estaba demasiado cerca de mi ideal estético de belleza, por lo que surgió una  necesidad de destruir todo ese trayecto para reconstruir uno nuevo y ahí es cuando dí forma a Black Affair con un sonido más electrónico. Y después de esa etapa comencé a grabar álbumes bajo mi nombre, como Steve Mason. Pero en realidad, quiero decir que estoy conforme y muy satisfecho con la forma en la que han ido evolucionando los sonidos en mi música. Aunque creo que está es una pregunta difícil de responder. No me parece que sea tan sencillo darse cuenta de estos cambios. Supongo que el análisis sobre la evolución es algo que dejaría para que lo hagan otras personas. Me gustaría que vos mismo emitieras una opinión sobre eso. Creo que estoy demasiado ocupado tratando de  evolucionar para ser consciente de esos procesos. Supongo que simplemente uno a veces trata de alejarse  del tipo de música que ha hecho antes y luego también volver un poco a revisionar y considerar la música y las cosas que se han hecho más atrás en el tiempo. He estado haciendo esto durante 25 años y he grabado 12 álbumes. Ese soy yo. Y creo que  es una buena cantidad de trabajos.

  

  En medio de la grabación de tus trabajos en solitario, también formaste el proyecto Alien Stadium con Martin Duffy, el legendario tecladista de Felt que además tocó con The Charlatans y Primal Scream. ¿Cómo fue ese encuentro y cómo ves ese mini álbum hoy después de un tiempo?

  Bueno, Martin y yo, ya habíamos estado en contacto porque nos conocemos desde hace mucho tiempo. Entonces un día me mudé a Brighton que era la ciudad en la que él estaba viviendo  y estuvimos hablando un largo rato sobre hacer algo juntos.  Definitivamente me di cuenta de que ese encuentro  fue un período increíble porque supongo que por primera vez desde Beta Band estaba haciendo música y divirtiéndome haciéndolo  y riendo, pero trabajando duro. Fue un proyecto tan genial que incluso Martin cantó en una de las canciones y creo que es uno de los únicos discos en los que lo ha hecho. Desafortunadamente Martin murió en Diciembre del 2022 así que supongo que eso lo hace sentir  aún más especial, porque logré hacer un disco con uno de mis grandes amigos. Martin lamentablemente ya no está entre nosotros.

  

                                   Martin Duffy y Steve Mason 

  Estaba escuchando la playlist que te inspiró en la creación de tu nuevo álbum Brothers & Sisters (2023) y vi una selección de lo más ecléctica, desde Neneh Cherry y John Lee Hooker hasta Don Cherry y Vivien Goldman. ¿Te consideras un melómano o algo parecido? ¿Cuál fue la última canción que escuchaste?

  Sí, supongo que después de 25 años de carrera  probablemente podrías identificarme como un amante de la música. La descubrí cuando tenía unos cuatro o cinco años y simplemente la dejé entrar debajo de mi piel y en mi sangre y nunca he podido evitar esa gravitación. Uno a veces no está en dónde quiere estar en términos de reconocimiento y todo se vuelve un poco extraño porque comienzas a desilusionarte de aquello a lo que le has dedicado toda tu vida. Pero sabés?, a mí la música no me debe nada, soy yo el que le debe a ella, así que depende de mí trabajar más duro y con más esfuerzo. La última canción que escuche creo que fue The faith healer de Sensational Alex Harvey Band del disco Next (1973). Nunca la había escuchado antes y un amigo mío estaba hablando de eso así que me puse a hacerlo, ya que Alex Harvey era un artista escocés de cuyo trabajo no me había ocupado profundamente y esa es una pista muy interesante.

  

  La pandemia significó para los artistas un momento de expansión para algunos y de parálisis y miedo para otros. ¿Cómo atravesaste ese período particular de la historia de la humanidad?

  Bueno, escribí este álbum Brothers and Sisters. Supongo que fue un medio para buscar alguna forma de espiritualidad que me ayudara a guiarme a través de ese período tan desafiante para todos.  Cuando las cosas se ponen realmente muy difíciles y sin precedentes como lo que sucedió, incluso hasta los ateos se encuentran buscando alguna forma de espiritualidad.  Pero tal vez la espiritualidad no sea necesariamente algo ligado a una religión formal organizada. Y eso es algo que hice. Me tomó algún tiempo ponerme en marcha porque fue un momento muy extraño y se me hizo difícil conectar con la creatividad. Frente a situaciones globales sin precedentes algunas personas lo encuentran muy fácil, pero a mí no me resultó tan sencillo.

  

  En abril del año pasado comenzaste una gira de presentación de tu último disco que arrancó en Birkenhead y terminó en Brighton. ¿Sos de tener  expectativas antes de tus shows o simplemente dejas que las cosas sucedan? ¿Con qué  se encuentra la gente que acude a tus conciertos?

  Bueno claro que tengo expectativas, sería una locura dejar que las cosas sucedan. Porque hay mucho trabajo en juego para asegurarme de tener la banda adecuada. Y luego trabajar en base  a eso para pensar en cómo va a funcionar el sonido en los conciertos. Solo puedo darme el lujo de convocar a una determinada cantidad de gente así que en función de esa alternativa decido sobre qué aspectos enfocarme para trazar mis shows. Tengo a mis dos coristas Jayando Cole y Keshia Smith que son dos cantantes de Gospel que están de gira conmigo y además participan en el álbum. También forma parte del equipo Calie Hough en batería y percusión junto a Darren Morris que toca principalmente el piano y añade mucha melodía y peso detrás de las canciones. La idea principal es que la gente siempre tenga una hermosa experiencia espiritual y edificante. Entonces ahí sí me siento rejuvenecido y listo para la pelea.

  

  ¿Te importa el mundo que vivimos hoy? ¿Qué cosas te gustaría cambiar si tuvieras una varita mágica o en todo caso una lámpara de Aladino?

  Por supuesto que me preocupo por el mundo tal como es. Vivo en el mundo tal como es, así que si, me preocupo profundamente por muchos aspectos y especialmente ahora que tengo una hija. Comienzas a preocuparte más por el futuro y sobre cómo las cosas podrían tomar otro rumbo. Creo que debería suceder un cambio muy radical. Un movimiento que deje  de lado las diferencias que otros han alimentado a lo largo de tantos años y así poder tomar el control. Solo el 2% de la población mundial es la que ha causado tantos problemas para todo el resto. Si tuviera una varita mágica literalmente haría que cualquier persona sintiera compasión por cualquier otro ser humano. Y los haría deshacerse del capitalismo y lo volvería al crear como si ese sistema nunca hubiese  Y las personas podrían en realidad, vivir una vida basada en la compasión y haciendo arte y ocupando sus días como mejor les parezca, en lugar de trabajar toda una vida para gente que los odia y luego muere. No creo que sea para eso por lo que los seres humanos están aquí. No creo que sea justo porque es una forma inhumana de vivir y que no tiene ningún sentido y no tiene porqué ser así. Desde que nacemos nos dicen que debemos convertirnos en consumidores capitalistas y eso es mentira. La sociedad no tiene porqué funcionar así, de esa manera

  ¿Alguna posibilidad o deseo de venir a tocar a Argentina?

  Sí absolutamente, he tenido varios contactos con seguidores de Argentina a lo largo de los años y me fascinaria ir a tocar allí.  Todo lo que necesito es una invitación y alguien con quién podamos armar un concierto. Respecto al dinero podríamos llegar a un acuerdo para que al menos  pueda cubrir los costos.

  Me encantaría tocar en Argentina. Así que gracias por estas estas preguntas. Ha sido un placer responderlas. Cuídense y agradezco su apoyo. Todo lo mejor.  Adiós.

  

  https://stevemasontheartist.com/

  22 de enero de 2024

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• Richard Strange: trazando el camino del punk antes de su invención 

  

  Entrevista exclusiva 

  Fue fundador de la banda proto punk y glam rock  The Doctors Of Madness durante la primera mitad de los años setenta. Sex Pistols y Warsaw (Joy División) abrieron shows para ellos. Creador del mítico club nocturno Cabaret Futura en Londres que albergó a grupos como Depeche Mode y Soft Cell en sus comienzos. Su vida artística ha oscilado entre el lanzamiento de su  carrera solista allá por los 80, la participación como actor en films y obras de teatro y su tiempo repartido como curador, escritor y profesor universitario. 

  Por Darío Falcón 

  Pensar en los Doctors Of Madness como “el eslabón perdido entre Sex Pistols y David Bowie” quizá sea una figura creativa que sirva para poner nuevamente en escena a los olvidados, a bandas que quizás no supieron, no quisieron o no pudieron enmarcarse dentro las corrientes musicales más visibles de mediados de los setentas. 

  Dónde ubicar a un grupo cuyos integrantes sentían que ya eran demasiado viejos como para integrar las primeras filas de la explosión punk de 1977?.

  La banda se formó en Brixton en 1974, una ciudad al sur de Londres y estuvo encabezada por el joven Richard “Kid” Strange en guitarra y voz, quien junto a los demás miembros; Stoner en bajo , Peter DiLemma en batería y Urban Blitz en violín eléctrico encontraron la forma de convertir en canciones, temáticas como la neurosis contemporánea y la sociedad y sus nuevos mecanismos de control. Partiendo de una concepción distinta del rock que mezclaba una notable diversidad de estilos y géneros, Los Doctors Of Madness  grabaron tres discos entre 1975 y 1978 para Polydor Records:  Late Night Movies, All Night Brainstorms. (1976),  Figments of Emancipation (1976)  y Sons of Survival (1978).

  

                                      The Doctors Of Madness

  Eran los punks de los punks justo antes de que comenzara a definirse el término como tal. Cómo un movimiento contracultural que construyó su estética e identidad incorporando aspectos como la independencia, la disconformidad social y la utilización de ritmos sencillos,  guitarras sucias y ruidosas repletas de distorsión. Toda una filosofía en torno al “Hazlo tu mismo” que rechazaba los dogmas y cuestionaba en su plenitud el orden de lo establecido.

  Sex Pistols abrió  un show para la banda de Richard Strange en 1976. Malcolm Mclaren creía que era el grupo más adecuado para que la banda de Rotten pudiera comenzar a dar sus primeros pasos en la música. “Cuando vi su prueba de sonido pensé que eran el grupo de chicos más descuidados que jamás había visto en un escenario… desafinados, fuera de tiempo, aburridos, aburridos. Cuando tocaron con nosotros supe que nuestra carrera había terminado… alguien había pateado el tablero  y nosotros nos íbamos a quedar atrás” señaló Strange en una entrevista hace algunos años. Un show polémico en el que los Pistols robaron dinero a Strange arriba del escenario y que sería devuelto 20 años después por Steve Jones en su programa de radio y por Johny Rotten nuevamente en un billete de 50 dólares firmado y con la leyenda: ‘Devuelto con intereses”.

  

  Afiche del concierto secreto de Sex Pistols( estaban prohibidos en la mayoría de los lugares) cuando abrieron para The Doctors Of Madness

  En el tsunami punk que arrasó con todo a su paso no hubo lugar para  The Doctors Of Madness y el grupo se disolvió en 1978 luego de la grabación de su tercer álbum que no tuvo una buena recepción en términos comerciales.

  “The Doctors Of Madness fueron los mejores! Cabello azul, párpados con lentejuelas, una guitarra que deletreaba “KID”, ¡un vodevil de la era espacial que llevó a este chico de 16 años al límite! Uno de los compositores e intérpretes más originales de mi generación” señaló Joe Elliott del grupo Def Leppard.

  Posteriormente Richard Strange comenzó una carrera solista y grabó algunos discos que se convirtieron en genialidades de culto. En 1980 creó además  el mítico club nocturno de Cabaret Futura que ánimo las noches londinenses en el barrio soho y por dónde pasaron bandas como Depeche Mode, Cabaret Voltaire y Soft  Cell Cell entre otras.

  «De vez en cuando escucho las cintas de 24 pistas que grabamos [en Cabaret Futura]. Una de mis favoritas es la de Depeche Mode, todos con cara de querubín y llenos de arrogancia nerviosa mientras probaban sus primeras canciones, maravillosos himnos de tres minutos como como New Life, Factory [Ice Machine] o Dreaming of Me. La primera vez que reproduje las cintas me quedé perplejo por lo que parecía ser un sonido de salpicaduras en una de las pistas. Entonces recordé que era la noche en que The Event Group «Hizo algo indescriptible con mangueras y orina falsa en el balcón mientras la banda tocaba debajo» ha señalado Richard Strange sobre esa noche de enero de 1981.

   En esta imperiosa necesidad de involucrarse con diferentes medios expresivos, Strange comenzó a desenvolverse también como actor y a participar en films como Batman de Tim Burton, Mona Lisa de Neil Jordan y Gangs of New York de  Scorsese. Además se lo puede ver en la película Mr Lonely de Harmony Korine, interpretando el papel de Abraham Lincoln, y participó en el último episodio de Harry Potter.

  

  Fotograma del film Batman (1989) Jack  Nicholson    junto a Richard Strange 

  En teatro trabajó junto a Marianne Faithfull en la fábula musical The Black Rider, obra en colaboración del director Robert Wilson, el músico Tom Waits y el escritor William S. Burroughs. 

  En 2009 formó parte del Meltdown Festival de Jarvis Cocker y en el Royal Festival Hall  en una velada de canciones de películas de Walt Disney. En 2010 actuó con el productor/arreglador Hal Wilner en Brooklyn y en The Barbican, junto a artistas destacados como David Byrne, Tim Robbins, Steve Buscemi, Shane McGowan y Suzanne Vega.

  Richard se ha involucrado cada vez más en el ámbito de la educación y ha recibido una prestigiosa beca de la Academia de Educación Superior. Actualmente, Richard dedica gran parte de su tiempo a trabajar con jóvenes estudiantes de música en el Reino Unido, Hong Kong, Suecia y el resto del mundo.

  

  Hola Richard, hagamos una regresión a tu infancia. Contame dónde naciste y de qué  forma te fuiste involucrando con la música cuando eras niño. ¿Había instrumentos en tu casa? ¿Hubo alguna tradición musical en tu linaje? Que discos recordas que sonaban en tu entorno?

  Era una casa sin música. Tenía dos hermanos mayores y ellos me introdujeron en los placeres de la música. A mi hermano mayor, John, le encantaba el jazz y luego el rock’n’roll, así que cuando tenía 10 años ya sabía sobre Miles Davis Y Elvis Presley. Mi otro hermano, Brian, llegó a casa un día de la escuela con un disco llamado The Times They Are A’Changin de un cantante folk estadounidense llamado Bob Dylan en 1964 y ¡eso cambió mi vida! Tenía 13 años. ¡Escuchar letras que eran poesía me dejó alucinado! ¡Sabía que eso era lo que quería hacer!

  

                                                      Kid Strange 

  A qué edad compraste tu primer instrumento?Describime ese momento. Suelen ser imágenes que quedan grabadas en la mente y en el corazón para toda la vida…

  Mi hermano Brian y yo fuimos a Dinamarca en 1969. Mi padre acababa de decirme que no me iban a permitir ir a la Universidad porque nadie en nuestra familia lo había hecho antes. En un café de Copenhague alguien vendía una vieja guitarra acústica Levin por unas 10 libras. En ese entonces era mucho dinero para mí. Pero sabía que a mí padre le resultaría extraño y le molestaría mucho más que el hecho de que yo quisiera asistir a la universidad. ¡Y esa era una buena razón para comprarla!

  

  Richard y su hermano Brian

  No todo el mundo sabe de la existencia de Doctors Of Madness. ¿Cómo se formó la banda y cuáles fueron sus referentes musicales en el momento de la reunión?

  The Doctors of Madness fue mi primera banda. Peter di Lemma, nuestro baterista, y yo pusimos todo en marcha en 1974. Habíamos estado juntos en la escuela, pero yo solo había tocado la guitarra durante unos años. Nunca antes me había considerado un músico. Amaba las palabras y amaba el arte contemporáneo. Descubrí al escritor estadounidense William Burroughs (Naked Lunch, Soft Machine, Junkie, etc.) y a los otros escritores beat, principalmente Jack  Kerouac y Allen Ginsberg, además de descubrir a Andy Warhol, Robert Rauschenberg y los artistas pop, y quise formar una banda que fuera como una mezcla entre los dos. Estaba enamorado de Velvet Underground desde el lanzamiento de su primer álbum en 1967. Brian Eno dijo una vez que todos los que compraron ese primer álbum formaron una banda. ¡Sé que yo lo hice y sé que él también! Conocí a Urban Blitz (violines y guitarras) a través de los pequeños anuncios de Melody Maker, y Colin Stoner (bajo) era mi amigo desde hacía años.

  

  En aquellos primeros años (1974/75, nadie tocaría con The  Doctors Of Madness. ¡Eramos demasiado raros, demasiado outsiders! Recordá que esos años marcaban en cierto sentido el final del Rock progresivo, donde todos querían demostrarles a sus padres que  «Los chicos de pelo largo y pantalones flared (patas de elefante)  podían tocar al mismo nivel que los músicos del conservatorio… eso nunca me interesó. ¡Siempre creí que el  de la música rock era enojar a tus padres, no impresionarlos! Nuestro look era distinto. Parecíamos como si acabáramos de comprar ropa en una organización benéfica en Marte! Cabello azul, maquillaje, nombres raros, canciones sobre control mental, paranoia, neurosis y colapso urbano, con un elenco de personajes en sus letras, como Dollar Deal Dave, The Reversal Boys, Pigface y The Shiny Gang, The Weird Scenes adictos, etc. …

  En algún punto se adelantaron al estallido punk de 1977. Cuál consideras que fue el motivo por el que no tuvieron la repercusión de otros grupos. Sex Pistols, the Jam , Joy Division ( Warsaw en ese momento) y Simple Minds fueron bandas soportes en sus conciertos…

  Sencillamente porque llegamos demasiado pronto. El negocio de la música no estaba preparado para nosotros. Era imposible ponernos en una categoría porque el término «Punk rock» aún no se había inventado. Hace un par de años estuve hablando con la BBC sobre esto para una serie de tres programas que estaban haciendo en esa época, llamado Punk Olympia. Si miras toda la lista de lo que hicimos con The  Doctors Of Madness cuando éramos punk rock: teníamos nombres extraños, teníamos cierta caricatura en el escenario, cantábamos sobre un estilo de vida más urbano en lugar de uno rural y pastoral que surgió de rock progresivo y que siempre se trató de magos y temas cósmicos, si piensas en bandas como Yes y demás. Nosotros tratamos temas más difíciles como la neurosis, la psicosis, los sistemas de control, la propaganda. Cantamos sobre eso.

  Yo tenía el pelo azul. Yo era Kid Strange. La mitad de nuestras canciones se tocaron increíblemente rápido. Nuestra estética no se basó en el virtuosismo musical . De hecho, hicimos de lo contrario una virtud. Todo fue bastante caótico y desordenado. Cuando hacíamos estas canciones, nos sentábamos en círculo y tratábamos de expulsarnos unos a otros del planeta y así es como surgieron las composiciones.

  

  Cuando ves el documental de Doctors of Madness, no es punk rock. Pero puedes ver por qué la gente a la que le agradamos, en ese pequeño espacio, el agujero negro entre el glam rock y el punk rock, puedes ver por qué circularían a nuestro alrededor Dave Vanian, TV Smith, The Adverts, The Jam, Joy Division, Penetration, etc. Me dicen que hemos sido una influencia para bandas y gente como Spiritualized, Simple Minds, The Skids, Julian Cope y la directora de cine estadounidense Harmony Korine. quien dirigió las películas Gummo y Kids. El comediante británico Vic Reeves solía pintar graffitis en los metros públicos del noreste con logotipos de Doctors of Madness. ¡Los que SABÍAN, sabían!

  Realmente polarizamos la crítica. Fuimos inoportunos. Salimos del rock progresivo y los rockeros progresivos nos odiaban. No éramos músicos de Pub-rock. No mirábamos hacia Los Ángeles. Éramos muy ingleses, muy británicos, muy londinenses y no tocabamos muchas canciones de amor.

  

  La diversidad estilística de DOM la convierte en algún punto en una banda de base punk pero que trabaja con  sonidos tan diversos que la convierte en un grupo al mismo tiempo único e inclasificable. ¿Cómo podés describir está alquimia?

  Esto es lo que escribí en mis memorias, Strange-Punks and Drunks and Flicks and Kicks. (2004):

  “El sonido único de los Doctors realmente surgió de la mano de Stoner y Urban Blitz. Peter y yo éramos músicos bastante competentes y adecuados, pero el ruido que esos dos tipos hacían era lo que conformaba nuestro sonido. Como vocalista sabía que no era muy bueno, mi rango vocal es demasiado limitado, pero como  cantante podía interpretar  esas canciones  bastante bien. Trabajo dentro de mis limitaciones, pero siempre trato de esforzarme para expandirlas expresivamente.

  (En el estudio, grabando nuestro primer álbum…): Una vez superados los primeros problemas técnicos, nos propusimos la tarea de grabar un gran primer álbum con un gusto genuino y una intensidad maníaca. Quería hacer un álbum que contuviera, reflejara y mutara todo lo que había sentido y experimentado en mis 24 años. Quería que reflejara cada alegría, cada decepción, cada rencor y cada resentimiento. Quería que estuviera lleno de amargura, desolación, alienación, bilis y furia. La ternura que hubiera se vería atenuada por el cinismo y la distancia. Un romance así, con esa existencia, estaría condenado a una dolorosa ruptura. Quería que el disco fuera oscuro, cinematográfico y colosal. Mi tema era la decadencia urbana, la neurosis y la corrupción. Tenía el odio anarquista por todos los sistemas de control. Líricamente mis raíces estaban en la tradición de cantautores como Bob Dylan, Leonard Cohen, Jacques Brel y David Bowie, pero mis canciones estaban sazonadas con un toque amargo y medio podrido, cortesía de William Burroughs. Musicalmente me encantó la energía, la franqueza y el vanguardismo gonzo de Velvet Underground en su forma más intransigente. Muros de ruido blanco y retroalimentación colocados sobre un ritmo estúpido impulsado por la velocidad. El equivalente armónico de la pelea a puño limpio. Porno sónico. Nos colocamos en círculo en el estudio, apagamos las luces e intentamos borrarnos unos a otros de la faz de la tierra. Grabamos varias versiones de cada canción, cambiando nuestras interpretaciones cada vez. Todas las pistas se grabaron en vivo en el estudio, y las sobre grabaciones y correcciones se realizaron más tarde. Significaba que era un infierno mezclar el álbum, porque había mucho derrame de sonido. Por ejemplo, los micrófonos de la batería captaban los sonidos de la guitarra, el violín y el bajo, por lo que era imposible alterar el sonido de la batería sin alterar también el sonido de los demás instrumentos. Pero lo que las canciones perdieron en claridad y definición de sonido, sentimos que lo ganaron en espíritu y atmósfera.

  

  Bryan Morrison que ya había trabajado con Pink Floyd, Syd Barret y Marc Bolan se convirtió en manager de ustedes. ¿Cómo lo recordas hoy después de tanto tiempo?

  Bryan era un tipo que amaba la música pero que nunca entendió realmente a los músicos. Entendía sobre el dinero y los negocios. Tenía un gran oído para algo que fuera original o comercial. Entramos en la primera categoría y él pensó que podía hacer una versión comercial de los  Doctors Of Madness. ¡Él estaba equivocado!

  Luego de la separación del grupo emprendiste una carrera solista en la que grabaste tu gran álbum conceptual «The Phenomenal Rise of Richard Strange» en 1981. ¿Cómo ves el resultado de este trabajo después de 42 años? 

  The Phenomenal Rise of Richard Strange comenzó como un espectáculo en solitario, una sátira política en la que el héroe epónimo, un importante ídolo del rock, es elegido presidente de una federación europea futurista y luego cae trágicamente en desgracia con los mismos hombres que lo criaron y elevaron a semejantes alturas. En una época en la que Estados Unidos estaba gobernado por una estrella de cine, semejante escenario no parecía tan extraño. Lo que fue notable fue la facilidad con la que convertí la saga en un álbum único y sólido. Construido alrededor de la dinámica (si no de los arreglos) que había caracterizado mi trabajo desde mi aparición al frente de Doctors of Madness, el estridente tema inicial y el cierre «I Won’t Run Away» tienen un poder dramático que completa el álbum. perfección, guitarras y saxofones en primer plano. En otra parte del ciclo, la frenética «Gutter Press» recuerda el «Bulletin» de los Doctors… tanto en estilo como en tema, mientras que la balada «Who Cries For Me» presenta algunos coros intrigantes de mi amigo y ex compañero de escritura ocasional, El vocalista TV Smith del grupo The Adverts (aparece bajo el seudónimo de Radio Jones). Si prestas mucha atención a la letra, revelaras que un par de canciones existen principalmente por su capacidad para impulsar la historia, pero el mayor activo de Phenomenal Rise es el hecho de que gran parte de ella, resiste un abordaje definitivo, incluso sin el marco general. Después de todo, es una afirmación que pocos álbumes conceptuales pueden hacer, pero que está respaldada por el éxito de los dos sencillos extraídos de las grabaciones, el vanguardista «International Language» y el propio «Phenomenal Rise«, ninguno de los cuales llegó a las listas. , pero ambos llamaron la atención en su momento. Si hubo alguna desventaja en el álbum, fue que solo se incluyó una parte de todo el espectáculo. Las esperanzas de que lanzara un álbum doble se desvanecieron desde el principio, mientras que los planes para una presentación convencional en teatro o cine nunca se hicieron realidad. ¿El mejor álbum conceptual jamás creado? ¡Probablemente!

  

  En tu presentación te definís como Músico, Actor, Escritor y Curador. Estas categorías están ubicadas por orden de preponderancia? Podría decirse que sos una persona con muchas inquietudes…

  Supongo que he sido increíblemente afortunado en la forma en que una cosa llevó a la otra en mi vida. Nunca me he puesto en marcha con ambiciones o un juramento profesional en mente, pero soy valiente y digo “sí” a las oportunidades de aventuras. El amor por las palabras me llevó a La Música. La música me llevó a la presentación en vivo y a la grabación. La actuación en vivo me llevó a ser actor. Trabajar en teatro me enseñó a curar eventos artísticos y ponerlos en escena, etc., etc. Ahora que soy mayor, siento que puedo compartir mis experiencias con los jóvenes y, en consecuencia, trabajo a menudo como profesor en universidades de todo el mundo, animando a los jóvenes creativos a correr riesgos y a no tener miedo al “fracaso”.

  En 2019 The Doctors Of Madness se volvió a reunir y producto de este encuentro, grabaron el álbum The Dark Times. Tenés un gran reconocimiento de parte de  tus colegas… Te gustaría que el grupo de un salto hacia públicos más amplios o te gusta esta posición de culto en la que te ubicas?

  Siempre es satisfactorio conseguir nuevos fans, pero NUNCA he hecho un disco para intentar hacerlo. Mis discos están hechos para MÍ y tengo mucha suerte de que otras personas hayan encontrado algo allí para disfrutar. También me encantó trabajar con Joe Elliott de Def Leppard en este disco. Joe me llamó cuando se enteró de que estaba haciendo un nuevo disco de Doctors of Madness y me dijo que él y las bandas habían sido grandes admiradores cuando eran niños y que nos seguían a todas partes. Dijo que quería ser corista en el nuevo disco y me pidió que le enviara cualquier canción en la que creyera que su voz funcionaría. Le envié seis. ¡Al día siguiente me envió seis canciones con sus maravillosos coros! ¡¡Un caballero muy amable y generoso es Joe Elliott!! Terry Edwards tocó el saxofón para Nick Cave, PJ Harvey y Tindersticks… también era fanático de Doctors y toca en el álbum de  Doctors of Madness Dark Times.

  

  Hace poco tiempo se produjo el lanzamiento del álbum  A DFFRNT WRLD en colaboración con TV Smith otra  leyenda del punk con su banda The Adverts. ¿Cómo se armó este disco? ¿Ya habías tocado con él como invitado en el concierto de despedida de DOM verdad?

  TV había sido amigo durante años, desde 1976. Escribimos algunas canciones juntos en 1978 que nunca se publicaron, ¡pero sabíamos que eran buenas canciones!

  El año pasado estaba en un baño en Francia (en la tradición de Jean-Paul Marat y Jim Morrison, ¡pero sin la muerte desordenada!) cuando tuve el momento Eureka!. Se me ocurrió que, desde que Tim y yo grabamos esas 8 canciones en formato analógico en 1978, el mundo había cambiado más dramáticamente que en cualquier período anterior de 45 años de la historia de la humanidad. Parecía una buena idea celebrar ese hecho revisando las canciones de 1978 y reelaborándolas para la era digital.

  

                            Richard Strange y TV Smith

  Inmediatamente llamé a Tim a un dispositivo que no existía en ese entonces… ¡algo llamado teléfono inteligente! Tim estaba tan entusiasmado como yo con la posibilidad de volver a grabar estos bocetos inacabados e inéditos de 1978. Cuando escribimos y grabamos estas canciones por primera vez no había formato digital, midi ni samplers. Grabamos en cinta de ¼ de pulgada. No había teléfonos móviles, ni Internet, ni Starbucks, ni Google, ni Facebook, ni Instagram, ni TikTok, ni YouTube, ni Twitter. Sin Brexit. Sin Covid. La política también era diferente… era un mundo anterior a Trump y anterior a Johnson. No habíamos oído hablar de la posverdad, de los hechos alternativos o de las Fake News.

  Queríamos reinventar y reinterpretar las canciones de una manera apropiada para nuestro mundo Post-verdad. «Ahora es un mundo diferente», coincidimos. Entonces, “No”, dijo Tim, “Es UN MUNDO DFFRNT”. ¡Eso lo aseguró! … “Gran título” dije. “¡Ahora escribamos la canción principal”, dijo! Así lo hicimos. También reescribimos y regrabamos “Don’t Panic England” para agregarla a las canciones existentes. Fue una perorata contra el secuestro de la democracia por parte de fuerzas oscuras.

  Tim grabó y luego me envió electrónicamente sus voces y partes de guitarra acústica. Me propuse producir un disco que reflejara los cambios tecnológicos y políticos que habían ocurrido en los años intermedios. Sabíamos que las canciones no cambiarían nada, pero también sabíamos que no podíamos quedarnos en silencio. Esperamos que disfruten de los resultados!

  

  

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  14 de enero de 2024

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• Martin Rev y La suma de todas nuestras heridas

  

  Fundó  la banda Suicide junto a su compañero Alan Vega a principios de los setenta y se convirtió en una referencia ineludible para las nuevas generaciones de la música electrónica. Reconocido por grupos que van desde Depeche Mode Y  Soft Cell hasta Aphex Twin y Daft Punk, Martin Rev reaparece en escena con un álbum que recopila composiciones tempranas inéditas extraídas de su archivo  personal. Una leyenda que se agiganta, a más de cincuenta años de haber sacudido la escena independiente de Nueva York y al mundo, con la irreverencia de sus sintetizadores.

  Entrevista exclusiva 

  Por Darío Falcón 

  El ex- Suicide Martin Rev, pionero de la música electrónica neoyorquina que en diciembre de este año cumple 76 años,  vuelve a presentarse en los escenarios,  casi en paralelo con el lanzamiento del álbum The Sum of Our Wounds  (2023) editado por el sello Alemán Bureau B. Es una selección de grabaciones en cassette del músico de vanguardia  que abarca los años 1973-1983. Tomas originales, ensayos, y procesos creativos que más tarde pasarían a formar parte de los trabajos de Suicide, el dúo experimental  Post Punk de Rev junto a Alan Vega. Algunas de esas composiciones también tomarían forma y serían incluidas en su debut solista. 

  

  El músico se estará presentando en una mini gira denominada Suicide Concert  el  12 de Diciembre en Los Ángeles, el 21 en San Francisco y ya para el 2024: Berlín el 5 y 6 de Enero, el 10 en Nueva York, el 11 en Miami, el 20 en París y el  1 y 2 de Febrero en Amsterdam.

  El último álbum de Rev  Demolition 9 había sido editado en 2017 y comprendía 34 canciones  de una duración breve y muy disímiles entre sí que el propio músico había descrito como autobiográficas, como un “anhelo de alegría y la perfección inalcanzable del ideal artístico”.

  

  Con Suicide, la banda que formó junto a Alan Vega fallecido  en 2016 , revolucionaron la escena post punk de Nueva York. En un acto hipnótico de provocación. En un proyecto que unía  la  distopía electrónica y desafiante de Rev y la voz primal y obscena de Alan Vega. Un Elvis retrofuturista que deambulaba por las calles de Brooklyn y el Bronx. El nombre de la banda estaba inspirado en Satan Suicide, una edición del cómic favorito de Vega, Ghost Rider. 

  Cuando el dúo se conoció en 1969, Alan Vega era escultor y Martin Rev tenía una banda de jazz llamada Reveren B. El grupo tenía tres trompetas, dos baterías y cuatro clarinetistas y Rev subía al escenario tocando una pandereta. Muchas veces había hasta doce músicos tocando, cuentan las crónicas de la época.

  Pero lo cierto es que pasaron muchos años para que el dúo fuera revalorizado en su propia complejidad. Los punks los detestaban y la crítica no les era favorable durante los primeros tiempos, aunque lograron ser editados por el sello francés Red Star, telonear a The Clash en Europa dónde fueron mejor recibidos y Bruce Springsteen se convirtió en un público seguidor suyo. «Si Elvis volviera de entre los muertos, creo que sonaría como Alan Vega» había declarado el jefe a una revista británica. El amor de Springsteen por la canción “Dream Baby Dream” se explicito durante su gira en solitario en 2005, cuando la interpretó como la última canción en casi todas las fechas. «Me gusta Suicide desde hace mucho tiempo«, había señalado. Una admiración que ya había quedado registrada décadas atrás  en su álbum Nebraska (1982) notablemente influido por la música de sus favoritos Suicide.

  La escasez de recursos  del dúo se transformó entonces en una propuesta estética innovadora en medio de una escena atravesada por grupos como Ramones, Television, Patti Smith, Blondie o Talking Heads cuyos medios técnicos y expresivos estaban más atados a las normas convencionales.

  

  Un electro punk de la calle destartalado e innovador, sintético, crudo y a veces hasta algo tenebroso, desembarco en la escena del centro. Transgrediendo los límites y el estilo de época al punto de generar resistencia y rechazo. Cómo un polémico show un verano de 1978 en Glasgow, cuando abrieron para The Clash y en donde Vega esquivó un hacha arrojada por un miembro del público.

  “De repente, un hacha se lanzó hacia el escenario, un hacha de guerra giratoria aterrizó a unos centímetros de los pies de Vega. Algunos lugareños refutan este hecho como un mito urbano, pero Vega mantiene la historia, al igual que lo hizo con el hacha. Para cuando The Clash subió al escenario, la planta baja se había convertido en un disturbio a gran escala. Después del espectáculo, Joe Strummer fue arrestado afuera del teatro” recuerda una persona que concurrió al show.

  

  La calle y sus resonancias activaron el motor de un sonido sucio y revelador con un pie en el pasado y otro más  firmemente anclado en el futuro. Dando paso  a un estilo único, que aún hoy puede dejarte absorto o sumergido en la más intensa extrañeza o perplejidad.

  Años más tarde Martin Rev se mostraría interesado en la música  de Snoop Doggy Dogg y Ice T:  “La música rap es música por necesidad, de la calle. Eso es lo que éramos cuando empezamos”.

  

                                    Suicide: Alan Vega y Martin Rev

  Ambos comenzaron a hacer música con el único instrumento que tenían a mano. Un teclado barato de 10 dólares. El Wurlitzer de Rev sobre el cual Vega improvisaba.  En 1975 Martin consiguió una caja de ritmos de los años 50, lo que amplió exponencialmente sus posibilidades musicales.

  El reciente lanzamiento de Martin Rev llega entonces para enriquecer el legado de un músico que tanto con  su banda como con sus trabajos  solistas,  ha contribuido a ampliar los horizontes  de la música electrónica en su estado más rudo, experimental y de vanguardia. Rev lleva  editados 9 álbumes desde 1980.

  

                                 Martin Rev, See me ridin’ (1995)

  “Las grabaciones de «The Sum of Our Wounds», que abarcan el período de 1973 a 1985, son mucho más que una colección de demos y tomas descartadas. Uno tiene la sensación de escuchar un álbum completo de composiciones familiares, ahora retratadas bajo una luz completamente nueva. La frágil fragilidad de estas piezas de casete revela una sensibilidad profunda, como una colección de heridas.Por eso, estas instantáneas pueden verse como etapas de una evolución incesante, una que podemos presenciar mientras nos sentamos junto a Martin Rev frente a la grabadora. , escuchando mientras captura los sonidos de la ciudad inquieta” señala el crítico Daniel Hahn encargado de curar el último lanzamiento del músico nacido y criado en el barrio del Bronx.

  

                                  The sum Of our wounds (2023)

  

  Hola Martin cuál fue tu primer contacto con la música y a qué edad fue que decidiste comenzar a recorrer este camino?

  Mi primer acercamiento a la música cuando era niño fue escuchando canciones que sonaban en  la radio, y que en su mayoría provenían  de las calles, estaban muy cerca de ellas, directamente desde los pequeños estudios. Empecé a tomar algunas lecciones de música que todos en mi familia ya habían tenido o las estaban teniendo en ese momento. Y luego comencé a descifrar  esas canciones y otras y a escuchar más y más. Y fue entonces cuando decidí que quería ser músico. Bastante temprano, diría yo, a los 11 o 12 años, si no antes.

  

                                                        Brooklyn años 60’s

  ¿Recibiste el apoyo de tus padres siendo que la música es un camino poco convencional  en términos de seguridad económica o se resistieron a eso?

  Mis padres tocaban música y les fascinaba la idea de convertirse en músicos y que esa elección se transformara en un medio de vida. Me brindaron un apoyo increíble de diversas maneras aunque también trataron de convencerme de elegir algo que sea más seguro. Esa era una ética bastante típica de la mayoría de las familias. El respaldo que recibí fue invaluable en términos de formación y maestros. Y luego, por supuesto, cuando las cosas se hicieron un poco más reconocibles para mí, ellos fueron más positivos al respecto.

  Porque elegiste ser músico y no otra cosa? ¿Cuáles fueron los factores que te acercaron a ese camino?

  Diría que elegí la música porque era lo único que me importaba y que tenía un verdadero significado para mí en ese momento.  Digamos que estaba más allá de cualquier otro tema o cualquier otra cosa a la que estuve expuesto en términos de mis sentimientos.  Realmente amaba mucha de la música que escuchaba, los géneros de mi tiempo. Entonces comencé a disfrutar tocándolos también a medida que adquiría más conocimientos y más práctica y facilidad en mi instrumento que era el teclado. 

  

  Paralelamente a tu banda banda Suicide comenzaste a grabar tu primer trabajo solista…

  Si de hecho, el primer álbum en solitario que hice fue justo antes de que Suicide entrara al estudio para grabar  el segundo. Y nuestro manager en ese momento, Peter Crowley ( reconocido  promotor del club  nocturno Max’ s Kansas City) , se acercó a mí y me propuso  hacer un álbum solista justo después del primer álbum de la banda.  Sin embargo, no lo hizo. Entonces Charles Ball, que tenía un sello ( Infidelity Records), se me acercó poco después. Él fue el primero en editar , creo, a Lydia Lunch  (Teenage Jesus And The Jerks) y muchos otros de nuestros artistas favoritos. Charles fue muy relevante en ese momento. Su sello fue conocido primero como Infidelity y  más tarde se llamó Lust/Unlust music. En esa época aún no había lanzado ningún álbum que fuera muy conocido.

  

                                                       Martin Rev (1980)

  Podrías decir que hay  bandas o discos que cambiaron tu vida o influyeron en tu visión sobre ella? Podrías nombrarme algunos?

  Sería un poco difícil elegir y enumerar  los nombres de los discos que me han cambiado la vida en un momento u otro porque todo el tiempo las cosas están mutando. Y esto lo pienso en términos de cuando escuchas algo, cuando regresas a algo, cuando estás expuesto a algo en tu vida. Asique mi selección sería demasiado numerosa porque también abarca diferentes géneros. Mucho rock. El Rock en sus comienzos. Rock posterior a los 60 ‘S. Rock de guitarras. Mucho Jazz. Mucha música clásica y música orquestal europea. ( nota: En su juventud,  Martin Rev era fanático de la música Doo Wop, y luego quedó fascinado con el emergente mundo del jazz que sucedía a su alrededor, frecuentando artistas como Thelonious Monk, Archie Shepp y Eric Dolphy).

  

  Además de la música te nutrís de otras artes como la literatura o el cine o sos más bien purista respecto a esto?

  Sí, me encanta ver películas y leer, pero no tengo mucho tiempo para hacerlo a menos que se relacione específicamente, la lectura con la música y que los films  sean sobre determinados artistas . Así que soy bastante específico al respecto. Me gusta leer para sacar ideas o para leer sobre ideas que tienen sobre todo músicos y compositores del presente y del pasado. 

  ¿Dónde estás viviendo ahora y cómo ves la escena musical actual? ¿Sos de escuchar bandas nuevas?

  Actualmente estoy  viviendo en la costa Este de los Estados Unidos. Respecto a la escena actual mi conocimiento está condicionado un poco por lo que escucho en la radio de forma aleatoria, por lo que puedo ver en Youtube u otros sitios similares. No hay bandas nuevas que escuche específicamente más que otras, aunque debería hacerlo.

  Después de haber transitado tantos años el camino de la música independiente. ¿Hay algo de todo eso que te hubiera gustado hacer de otra manera?

  Realmente no cambiaría nada en términos de mi visión sobre  cómo han sucedido las cosas en el pasado y en el presente en relación a la música y su carácter  independiente. Lo que pasó ya está. Es lo que es. Solo me interesa el hecho de haber estado inmerso en la música y de  haber sido parte de la creación. Eso es lo que me mantiene involucrado en todo esto. Y no quizás, pensar en cómo podría haber hecho las cosas en términos de éxito o fracaso. Esto, por supuesto, siempre es una consideración general aunque no es algo que hoy me preocupe mucho.

  

                                                  Clouds Of Glory (1985)

  ¿Te interesa la política y los cambios que  como ciencia activa puede producir en la sociedad?

  La política como  transformadora de la realidad creo que sucede en un nivel mucho más profundo y natural. Hay tres cosas que podrían preocuparme en estos días. Una es que las personas  se conforman muy fácilmente con los juicios rápidos. Se encuadran en los partidos y se inclinan por uno o por otro. Y esto hace que piensen en función de las ideas o dentro de la caja del sistema político social al que adscriben. Entonces no tratan los temas uno por uno con criterios propios, sino en función de quién es el opositor o el partido opuesto a sus creencias. La gente no sale de algunas ideas preconcebidas. Y eso es algo preocupante para mí.

  ¿Cómo es tu vida hoy? Te llevas bien con este mundo en el que nos toca vivir?

  La verdad es que si, me llevo bien. Solo hay que tener algo que te encante hacer y tener a alguien a quien amar demasiado. Y si las dos cosas van juntas, sería una posibilidad aún mejor. Ambas son un regalo maravilloso. Porque esto es lo que puede mantenerte equilibrado en un mundo tan desequilibrado, inestable e inseguro.

  

  ¿Qué le dirías a los músicos jóvenes que recién están comenzando  a hacer música?

  Solo les diría que lo disfruten, que estudien y que se dejen llevar por su curiosidad. Y que si realmente aman esto que lo hagan con toda su concentración y dedicación. Y que si esto no es algo que deseen hacer como un trabajo o como un medio de vida, también está bien hacerlo así. Y que si deciden dedicarse a la música puede que este arte los nutra de una alegría increíble y que los recompense al investigarlo. Entonces háganlo de la forma que más les convenga a si mismos, a su vida y a sus valores.

  

                     http://www.martinrev.com/

  https://martinrevroir.bandcamp.com/album/martin-rev

  8 de diciembre de 2023

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• Ernie Brooks de Modern Lovers y Necessaries: El vasto horizonte de un correcaminos

  Compartimos un viaje profundo a la historia del rock junto a Ernie Brooks, músico inquieto y explorador. Adelantado a su época y con una conciencia social claramente marcada.Un hombre subterráneo y alejado de las grandes marquesinas. Portador de un sólido conocimiento y reconocimiento de parte de músicos y colegas.

  

  Bajista y fundador junto a Jonathan Richman, David Robinson y Jerry Harrison ( Talking Heads) de la banda proto punk The Modern Lovers a principios de los años setenta. Fue parte del grupo The Necessaries que formó con el legendario Arthur Russell. Acompañó al músico de culto Elliott Murphy durante su carrera en Francia. Siendo joven participó de las cruzadas de Martin Luther King en la lucha por la igualdad de derechos de los afroamericanos. A más de cincuenta años del lanzamiento de Roadrunner, canción que se transformó en himno de una generación de inconformistas, continúa participando activamente en diversas bandas y en el ámbito de la política,  una veta  que cultivó desde temprana edad y que se extiende hasta nuestros días.

  Entrevista exclusiva 

  Por Darío Falcón 

  Suele pensarse en el bajo como uno de los instrumentos, con menos protagonismo dentro de una banda. Aunque su función real es la de mantener el ritmo junto a la batería, convirtiéndose en  un conductor que facilita el despliegue de los demás sonidos que intervienen en el grupo. El bajo aporta profundidad y da cuerpo a las composiciones musicales marcando el beat de la canción. Creado en 1951 por Leo Fender llegó para facilitar los problemas de espacio y sonido de los contrabajos de la época y trajo consigo los beneficios de la amplificación eléctrica y la incorporación de los trastes o los segmentos que representan las distintas notas musicales.

  Ernie Brooks eligió tocar el bajo luego de su experiencia temprana con el violonchelo. Brooks se ha convertido casi sin quererlo en  una figura fundamental del movimiento punk y New Wave neoyorquino. Un músico que desde sus comienzos hasta hoy, goza de una intensa actividad en la escena angloparlante . Un bajista clave para entender la génesis del rock  a partir de los años setenta. Desde su primera banda junto a su amigo Jerry Harrison hasta la formación de la influyente The Modern Lovers junto a ese genio impredecible de Jonathan Richman, luego The Necessaries con Arthur Rusell y diversos músicos de culto como Elliott Murphy y David Sylvian entre otros tantos.

  Así como casi nunca nadie decide preguntar a un baterista, los bajistas suelen ser también una pieza fundamental  que la prensa suele ignorar o dejar pasar por alto injustamente.

  

  Hola Ernie, contame cuál fue tu primer acercamiento a la música de niño y que experiencias  o sonidos crees que  comenzaron lentamente a delinear tu camino?

  Cuando era niño, mis padres escuchaban mucha música clásica. Yo amaba a Manuel de Falla ( compositor y pianista español). Me entusiasmaban mucho las melodías y la música clásica, pero también mi padre tenía algunos discos de jazz. Tenía algo de la primera era del rock como Bill Haley and the Comets, que hicieron Rock Around the Clock. Supongo que algunas personas consideran que es el primer disco de rock  aunque puede haber un poco de música folk en él, pero no mucho. Luego recuerdo escuchar Blowing in the Wind y creo que mis padres me consiguieron la versión de Peter, Paul and Mary, pero yo realmente quería la versión de Bob Dylan, que finalmente obtuve.  Recuerdo que tuve una gran experiencia. Tenía un primo que era mayor que yo y cuando tenía 13 años me llevó  al Newport Folk and Jazz Festival, que fue increíble. Supongo que en esa época era solo el Newport Folk Festival, dónde tocaban todos los grandes músicos del blues y compositores como Bob Dylan, Phil Ochs, Donovan, tenían a Richard y Mimi Farina. Tenían una increíble variedad de grandes compositores e intérpretes. Y también tenían a todos los tipos del blues del Mississippi como John Hurt, Sleepy John Estes, Reverend Gary Davis, Howlin Wolf, Muddy Waters. Así que estuve expuesto a mucha música desde muy joven. Ah por cierto, olvidé mencionar que el primer instrumento que tuve fue un violonchelo. Mi maestro tenía un violonchelo bastante bueno. Era hermoso del año 1740 fabricado en Milán. Y a menudo he pensado en volver a tocarlo, pero tendría que encontrar uno que sea realmente bueno y la verdad es que son demasiado caros. 

  

                Bob Dylan en el Newport Folk Festival 

  ¿Cómo vieron tus padres el hecho de que eligieras un camino poco convencional como el arte? ¿Se resistieron a esto o recibiste su apoyo?

  Bueno en algún punto creo que me alentaron. Ciertamente alentaron la música en mi. Fomentaron la poesía. Lo hicieron a su manera porque eran los típicos liberales de la costa este de clase media. Fomentaron el arte en general. En un momento dejé de tocar el violonchelo y me volqué más al rock and roll. Ahí es donde empecé a tocar el bajo. Fue en una escuela de orientación artística situada en las montañas de Vermont. Un pueblo que fue fundado por una mujer que era prácticamente comunista. Era un lugar en donde la gente ponía énfasis en cultivar alimentos para que los estudiantes comieran. Tenías que trabajar en el granero, levantarte por la mañana y palear la mierda de vaca a las seis de la mañana. En Vermont a menudo hacía mucho, mucho frío. Así que fue una experiencia peculiar.  Podría decirte que mis comienzos en el rock and roll fueron allí en la escuela secundaria y luego se fue profundizando más. Me involucré más cuando fui a la Universidad de Harvard en  Massachusetts. Allí comencé a hacer música con mi amigo que estaba en el mismo edificio de dormitorios que yo, Jerry Harrison ( Talking Heads) con quién luego nos unimos a The Modern Lovers. Antes de eso teníamos una banda llamada Albatross, que tocaba en muchos eventos de Harvard y  era un grupo bastante bueno. Cuando me gradué en Harvard, mis padres pensaron que  tal vez iría a la escuela de posgrado. Pero eso no sucedió. Recuerdo a mi madre, que falleció hace unos veinte años, llamándome y dejando mensajes en el contestador automático con algunas advertencias para mi. Diciendo que aún no era tarde y que podría comenzar a estudiar derecho. Aunque creo que para mí ya lo era, porque mi vida había tomado otro rumbo, otras vueltas. Como buscar la forma de ganar suficiente dinero para criar a mi familia, por ejemplo.

  

                           Jonathan Richman y Ernie Brooks 

  Una de las personas más interesantes que conocí allí en Harvard fue Jonathan Richman, que solía actuar como solista en los conciertos dominicales que tenían lugar en Cambridge Common, que era como un pequeño parque justo en Harvard Square. Y luego un tipo llamado Danny Fields lo trajo al apartamento que teníamos en Cambridge. Estábamos realmente enganchados porque él era muy histriónico y  bailaba en nuestra cocina. Tenía el pelo corto. Tenía esa interesante chaqueta de motociclista de cuero blanco. Y sus canciones estaban llenas de  poesía y también tenían un mensaje político. Yo ya estaba bastante involucrado en asuntos de política estudiantil  y era miembro de SDS (Estudiantes por una Sociedad Democrática se formó en 1959 como un grupo juvenil no violento que instaba a un cambio político. Su atención se centró en la oposición a la guerra de Vietnam en los años 1960).

  

  The Modern Lovers en Cambridge Common, 1971

  Anteriormente me había involucrado en el movimiento de derechos civiles cuando estaba en la escuela secundaria. Y cuando Martin Luther King se dirigió hacia el sur me embarque en esa cruzada  desde Selma hasta Montgomery. Recuerdo que pasé bastante tiempo allí haciendo cosas como registrar personas para votar, registrar votantes afroamericanos. En esa época aún predominaban las leyes de  Jim Crow ( Algunos ejemplos de las leyes Jim Crow fueron la segregación en las escuelas públicas, los lugares públicos, el transporte público y la segregación de baños y restaurantes; también existían fuentes de agua potable para los blancos y para los negros.)

  Así que en un punto, comenzamos a tocar en The Modern Lovers un tipo de música interesante y abrasiva. Fue una sorpresa para mí que de repente las compañías discográficas se interesaran en nosotros. Así que  fuimos al oeste en Los Ángeles a grabar nuestro primer álbum y muchas de sus canciones fueron producidas por John Cale, uno de nuestros héroes de la Velvet Underground. Todo eso me entusiasmó bastante. Aunque podría decir que no todo salió bien. 

  ¿Por qué elegiste la música y no otra cosa?

  ¿Por qué elegí la música? No sé si realmente elegí la música o no. Quiero decir. Ciertamente amo lo que hago, siempre lo hice. Aunque creo que no sé si me hubiera metido de lleno en esto si no me hubiera topado con The Modern Lovers. Jerry (Harrison) y yo, que ya tocábamos juntos en una banda ( Albatross) , estábamos interesados en toda la música que estaba sucediendo en la escena de Boston. Por supuesto que también tengo otro tipo de preocupaciones como ¿Voy a poder pagar las cuentas?. No me gusta hablar mucho sobre la vida de otros. En este aspecto he dado clases a familias inmigrantes aquí en  Long Island en Queens, Nueva York. También hace poco trabajé durante  varios años para un congresista,  que ha sido muy instructivo y me ha permitido aprender mucho sobre política. La política es dura. Y desafortunadamente acaba de perder la primaria. Así que ese trabajo terminará a finales de este año.

  

                                                 The Modern Lovers 

  No puedo decirte mucho sobre el porqué de mi elección. Lo que si se es que mientras algunas personas toman claramente decisiones en sus vidas, otras en cambio se enroscan en determinadas cosas.  Pero puedo decir que todavía me encanta tocar y hacer música. Así que fue una buena elección y todavía estoy tratando de escribir canciones decentes, aunque tal vez he tenido la desgracia de pasar mucho tiempo trabajando con gente de la cual pensaba que escribía mejores canciones que yo. Así que realmente no impulsé mis propias composiciones. Pero eso tal vez esté cambiando ahora. incluso aunque parezca demasiado tarde.

  ¿Cómo fue el paso de integrar  una banda de culto como Modern Lovers a lanzar discos  con The Necessaries y luego con Arthur Russell y Gary Lucas?

  Recientemente he estado tocando con Gary Lucas ( Captain Beefheart) y he participado en la grabación de un montón de álbumes con su banda Gods and Monsters. Por el grupo han pasado algunos bateristas como Jonathan Kane, un gran músico que solía tocar con los Swans y que ahora tiene su propia banda. Luego se unió Billy Ficca de Television con quién tocamos e hicimos un montón de giras juntos. Y luego más recientemente se incorporó  Richard Dworkin, que solía tocar con Alex Chilton notablemente y también tocó con una banda llamada The Microscopic Septet. Con él comenzamos a tocar en algunos shows después del  COVID por lo que esperamos volver pronto a la carretera. 

  

                        Gary Lucas and Gods and Monsters

  También grabé y edité un álbum solista (Falling, They Get You, 1994) en Francia en un sello llamado New Rose. El sello francés que también editó muchos discos de un músico nacido aquí, de la ciudad de Nueva York, Ellioth Murphy, que todavía continúa grabando, viviendo y desarrollando una carrera en ese país. Hice muchas giras con él. Elliott grabó muchos álbumes con New Rose, un sello que también grabó a muchos músicos que no eran editados en Estados Unidos.

  

                          Ernie Brooks junto a Elliot Murphy 

  Fuiste parte de momentos fundacionales de la música independiente, ¿Cómo ves todo eso hoy a  la distancia?

  Bueno, yo diría que no es desde la distancia. Sigo haciendo música independiente. Me imagino que cualquier grabación que hagamos tiene muchas probabilidades de ser editada por algún pequeño sello independiente. Pensar hacia atrás es divertido porque cuando fundamos de Modern Lovers aún todavía no se habían establecido movimientos como el Punk y la New Wave. Aunque quizás si ya existían algunas bandas que tenían un sonido más duro como The Seeds. 

  Había algunos grupos con un sonido más rudo que tocaban música bastante simple. Las letras de Modern Lovers  eran realmente diferentes en el sentido de que estábamos diciendo algo que iba en contra de lo que estaba floreciendo en ese momento, especialmente en Boston, donde había bandas que podría decirse que formaban parte de movimientos que habían surgido del blues y el rhythm and blues o habían sido influenciados por la música psicodélica de San Francisco. Pienso en cuando solíamos tocar en el pequeño parque cerca de Harvard Yard en Cambridge, Massachusetts. Estábamos frente a una multitud de personas drogadas y había cierta tensión porque nosotros estábamos dando un mensaje sobre la claridad en el pensamiento, claridad en las relaciones, honestidad, dignidad. 

  

  Las canciones tenían mensajes que eran importantes entonces y creo que  aún hoy continúan resonando.  Y creo que eso  tuvo mucho que ver con Jonathan y su forma de cantar y quién era él y el hecho de que en las letras había contenido. Me sentí muy cerca de ese mensaje y todavía lo siento hoy cuando vuelvo a escuchar las canciones. Lo que realmente importaba eran las ideas y la emoción que producían las canciones  en lugar de la habilidad de los músicos. Aunque en este aspecto podría señalar que David Robinson era un baterista muy experimentado y habilidoso. Jerry Harrison había tenido mucha experiencia tocando en bandas en la escuela secundaria y Jonathan era realmente básico. Estaba aprendiendo sobre la marcha. Al principio tocaba dos acordes en la guitarra. Pero construyó muchas canciones sobre esta base de acordes, lo que demostró que no era tan importante tener cierta habilidad o técnica, lo que era importante era el sentimiento. Y creo que eso fue algo de lo que muchas bandas aprendieron. Ahora bien, había otros grupos que también eran bastante rudos, como los New York Dolls. No sé si ellos o los Modern Lovers empezaron primero. Pero lo cierto es que tocamos juntos y teníamos puntos en común, incluso siendo tan diferentes. Y, por supuesto, teníamos una deuda con los Stooges. Ciertamente teníamos una deuda con Velvet Underground. Pero también podría decir que fuimos incluso más duros que cualquiera de esas bandas en nuestro mensaje.  Sí y en la simplicidad de las canciones, tal vez. 

  

                                                      Arthur Russell

  

                  Arthur Russell, World Of Echo (1986)

  Arthur Russell en cambio, fue un músico de gran importancia, en el sentido en que mezcló sonidos de todos estos campos diferentes. Él era un músico de formación clásica. Era violonchelista y estaba interesado en la música oriental y el dron. Y de alguna manera, cuando vino a Nueva York y comenzó a ir  CBGB, y cuando vio tocar a Modern Lovers, creo que se interesó en unir todos los elementos de todas estas músicas diferentes. Y creo que lo logró.  Arthur hizo música de baile (Dinosaur L). Escribió música instrumental increíble como esa composición que se llama Instrumentals, que está en el  disco First Thought, Best Thought. 

  También fui parte de Arthur ‘s Landing ( grupo formado por músicos que trabajaron con Arthur Russell y que reinterpretaron algunas de sus canciones). Allí hicimos una versión de Singing tractors una larga canción que nunca ha sido muy bien grabada.  Y actué bastante a menudo con otro conjunto que formamos con Peter Zummo (The Lounge Lizards) y  Bill Ruyle un gran baterista. Pero volviendo a Arthur Russell creo que su forma de cantar fue muy conmovedora porque no emocionaba de una manera obvia, era más bien discreta. Y creo que en realidad inspiró a todo un movimiento de cantantes cuya idea era simplemente cantar. Y fue, como digo, muy conmovedor, aunque nunca hubo nada de histriónico en él. Todo eso influyó mucho en la música de ahora, en las bandas jóvenes y cantautores de la ciudad. Arthur estaba increíblemente dotado en términos de melodía y ritmo. Algunas de sus canciones más bailables (Dinosaur L) fueron muy buenas tanto como sus canciones más pop o folk. Canciones que grabé y toque  junto a él y que  aún hoy continúo tocando. Como veo todo esto a la distancia?. En los años 70 y 80 ‘s hubo muy buenas bandas en Nueva York. Y la música que hicimos aún hoy continúa influyendo en las nuevas generaciones. Sobre todo en los grupos  que surgieron en la costa este. Los Modern Lovers, por supuesto, tocaron la mayor parte de su tiempo en Boston. Creo que la banda original solo tocó una vez en Nueva York. Por supuesto, Jonathan (Richman) lleva su música por todos lados ahora. Ojalá la banda original hubiera podido permanecer junta y tocar más, pero quién sabe, tal vez algún día toquemos de nuevo.

  ¿Qué anécdotas conservas en tu memoria de Jonathan Richman y Arthur Russell,dos músicos emblemáticos e inspiradores  que conociste muy bien ?

  Es interesante que preguntes sobre Jonathan Richman y Arthur Russell porque ambos eran personas algo  difíciles. Estaban demasiado centrados en sus propias mentes y si bien tenían una visión muy clara de lo que querían hacer, se les dificultaba para colaborar plenamente en el sentido de que nunca podían ceder el control a nadie más. En realidad choque y tuve mis diferencias con ambos. Con Jonathan me decepcioné, en el sentido de que la visión de la música que compartíamos en un principio, cambió. Aunque también creo que él se adelantó a experimentar los distintos caminos por los que la música podía ir. En ese momento Jonathan dejó de interesarse por hacer un tipo de música más fuerte ( Nota: Richman en un momento abandonó la electricidad de las guitarras por considerar esto como algo extensivo al diablo y se volcó más hacia lo acústico del sonido). Esa idea de no tocar tan fuerte que él tenía, quizás hoy tenga más sentido para mí, aunque de todos modos sigo haciéndolo y de alguna manera mis oídos han sobrevivido.

  

  Respecto de Arthur creo que nunca estuvo satisfecho con nada. Hizo miles de mezclas, cientos de mezclas de grabaciones, cambiando pequeños parámetros, y fue realmente difícil seguirlo y comprometerse y llegar a un punto en el que uno dice : «Está bien, esta es la forma en que esta canción debe sonar, está terminada.  hagamos algo con eso». Siempre había mezclas por hacer. Otras pistas de violonchelos que agregar. Y creo que esto sucedía porque en algún punto le tenía un poco de miedo al éxito a pesar de que era lo que realmente buscábamos.

  Tanto Jonathan como Arthur creo que tenían miedo de complacer a la gente con lo que querían escuchar . Recuerdo que Jonathan dijo una vez, que ya no quería tocar la canción Roadrunner porque a la gente le gustaba demasiado. Supongo que fueron en esa  búsqueda de lo que era difícil. En cuanto a Arthur, una vez quise tocar por mi cuenta algunas canciones en los tiempos de  Flying Hearts. ( Nota: El grupo estaba integrado por A. Russell, el propio Brooks y J.Harrison entre otros. En una de sus grabaciones contaron con la participación del poeta beatnik Allen Ginsberg quien fue por aquel entonces pareja de Russell).

  

  Toqué algunas composiciones que creí que eran realmente buenas para Geoff Travis de Rough Trade Records, quien de hecho financiaría parte de las grabaciones de Arthur. Y toqué esas canciones para Geoff Travis, y Arthur que había bajado de su departamento para buscar un sándwich, cuando regresó se puso furioso porque había tocado esos temas y me acusó de ser un traidor. 

  Yo creía que eran grandes canciones y de hecho a Geoff Travis le gustaron y estuvo de acuerdo. Pero tanto Arthur como Jonathan eran músicos brillantes pero a su vez no eran las personas más fáciles con las que uno podía trabajar. De todos modos hoy soy amigo de Jonathan y extraño mucho a Arthur porque podría decir también que nos hicimos muy buenos amigos y muchas veces pudimos colaborar bastante bien.

  Volviendo a Arthur, grabé, defendí y apoyé su música durante mucho tiempo, antes de que alguien estuviera interesado en editar sus canciones y publicar sus discos. Eran épocas en dónde él enviaba sus cintas a personas que no las entendían o simplemente no mostraban interés. Entonces: ¿Qué quiero decir con esto? Que soy partidario de un gusto por la música en cierto sentido poco comercial? ¿Música que no está en sincronía con la escena musical del momento? Deseo eso y quiero seguir adelante de la misma forma porque es lo que me gusta hacer. Hacer giras. Ojalá pueda algún día ir a tocar a Argentina. Me gustaría conocer ese país.

  Todos tenemos bandas y discos que cambiaron nuestras vidas para siempre… ¿Podrías nombrarme algunos de ellos?

  Un músico que me influyó mucho al principio fue Bob Dylan. Ya te conté que lo había visto con mi primo en el Newport Folk Festival cuando tenía 13 años. Y a partir de ese momento empecé a comprar sus álbumes. Tal vez mi disco favorito es uno de los primeros, Another Side Of Bob Dylan ( 1963) que tiene canciones increíbles  como My back pages y Spanish Harlem Incident. Dylan fue una gran influencia para mí. Cuando lo vi, tenía el pelo rizado. Entonces  empecé a dejarme el pelo largo. 

  Yo ya me había iniciado en la poesía desde joven y notaba que también la había en sus palabras. Era un aspecto muy importante en sus letras. Recuerdo muy bien la primera vez que escuché el vinilo de Blonde on Blonde (1966) cuando salió. Fui a conciertos de Dylan muchas veces en la época en que hacía sus shows en formato acústico, aunque últimamente no lo he visto muy seguido. Un amigo mío toca el bajo con él. Tony Garnier es un gran bajista.

  Otro de los músicos de blues que me influenció fue Mississippi John Hurt editó algunos álbumes en Vanguard Records ( uno de los primeros sellos independientes de Estados Unidos). No recuerdo muy bien el nombre de un álbum muy hermoso que grabó. Recuerdo su voz, su rasgueo de la guitarra, un blues muy suave.

  

                                             Mississippi John Hurt 

  Muy diferente y muy urbano es cambio es el disco homónimo de  The Paul Butterfield Blues Band (1965). Y luego también recuerdo el segundo llamado East West (1966). Era una banda que solía ir a ver tocar bastante.

  Me encantaba también Van Morrison, sobre todo sus dos primeros álbumes. También escuchaba mucho el primer álbum de una banda de San Francisco de la era  psicodélica llamada Moby Grape. Luego el grupo de Texas  Sir Douglas Quintet,  su primer álbum Walking the streets (1965) y el segundo también. El álbum Nuevo Laredo tiene unas increíbles trompetas estilo Tex-Mex combinadas con especial de voz Blusera y música pop. Mendocino es una hermosa y gran canción.

  Por otra parte R.E.M es un grupo que, curiosamente, lo escuché en vivo antes de reproducir sus álbumes. Tocaron en un montón de clubes de Nueva York y abrieron para The Necessaries, una banda que yo tenía en ese momento junto al guitarrista Chris Spedding que luego fue reemplazado por Arthur Russell. Hicimos un álbum para el sello Sire. En realidad dos versiones de lo que era el mismo mismo disco aunque tenían canciones diferentes. Event Horizon (1982) y Big Sky que en cierto punto fue el primero. Cómo te decía, tocamos bastante con R.E.M que abrieron para nosotros cuando tocaban en Nueva York en lugares como Danceteria y Hurrah! Y cuando tocamos en Washington DC les abrimos en un lugar llamado 949 Club. Realmente me encantaban. El álbum Out of Time (1991) que tiene el tema Losing my religion es un gran disco, de todos modos sacaron un montón como Murmur (1983), todas las canciones allí son geniales. Otro músico que también me encanta es Chris Spedding que fue también guitarrista de Brian Ferry. Su disco Hurt de 1977 y en especial la canción Silver Bullet tiene unas guitarras increíbles. ¿Qué más te puedo decir? Me gusta mucho el álbum Music for 18 musicians (1998)  de Steve Reich. También me gusta la música de Rhys Chatman. Participé en su álbum Die Donnergötter de 1987 y en otras grabaciones también.

  

                                                       The Necessaries 

  

  

  Hay una banda llamada Chairlift, más actual, que me interesa, sobre todo su primer álbum (Moth, 2016). Hacen un tipo de música pop y electro muy peculiar como MGMT, de esta recuerdo su canción más exitosa llamada Kids que está en su primer disco. Canciones orientadas al pop de teclados. Esto me lleva a otro tema volcado al pop de teclados y sintes como Enola Gay (1980) de la banda Orchestral Manoeuvres in the Dark. Estoy haciendo una especie de entrenamiento para mi memoria. The Stooges. Si,  sobre todo Fun house (1970) y su primer álbum, ambos son discos increíbles y con un sonido fantástico. White light, White heat (1968) de la Velvet Underground es un gran álbum. Sus tres primeros discos son los más importantes para mí. Velvet Underground tuvieron una gran influencia sobre Modern Lovers y muchos otros músicos orientados hacia un rock alternativo.

  Hay grupos más actuales. Por ejemplo una banda francesa  muy buena llamada Noir Desir, aunque creo que ya no están más juntos. Hay un guitarrista francés con el que solía tocar bastante llamado Jean-Francois Pauvros que editó un álbum llamado Hamster Attack (1987) muy experimental y extraño. Algo así como  música de guitarras y una extraña voz un poco grungy con algo de jazz. ( Nota: Ernie Brooks participó en algunas canciones del disco de Pauvros,  Musiques Pour Anne Dreyfus (1993) como Etroits Sont Les Vaisseaux y Au Centre Du Monde).

  

  Además de la música, ¿te interesa la lectura o el cine? ¿O sos  más bien purista con respecto a este tema?

   Sí, me gusta leer. Solía leer muchos libros especialmente cuando era adolescente. Y actualmente sigo leyendo libros de  ficción y no ficción.  John Updike es uno de mis  escritores favoritos junto a  Ian McEwan. También me interesa la poesía, en especial los poetas Robert Rose ( un escritor negro del Manchester industrial). Robert Lowell que creo ha sido mi mayor influencia junto a Robert Creeley, quizás el más famoso de los llamados poetas confesionales. Creeley se unió al grupo de la generación Beatnik junto a Ferlinghetti y Allen Ginsberg. Conocí a muchos de ellos personalmente. Con Ginsberg fue con el que tuve mayor contacto. Arthur Russell era muy cercano a él y tocamos juntos unas cuantas veces en el club CBCG en un ambiente nada heterosexual por cierto, les guste o no. Tocamos junto a Ginsberg dos canciones realmente memorables como CIA Dope Calypso y Sickness Blues.

  

                                                      Allen Ginsberg

  Otros poetas que leí fueron Anne Sexton y Denise Levertov. Elizabeth Bishop y yo estudiamos con Levertov cuando estaba en la universidad. Todos ellos fueron muy importantes para mí, tanto aquellos de los que solo leí sus libros como con los que tuve una relación más cercana.

  Y también leo a menudo sobre política. El último que leí completo fue The road to unfreedom de Timothy Snyder dónde traza un análisis real sobre el ascenso de Putin hasta llegar a la dominación total de Rusia. Y luego como su enfoque de política internacional hacia Estados Unidos se hace explícito en su interferencia en nuestras elecciones de 2016. Es un escritor que conoce bien ese tema. También escribió Tierras de Sangre en dónde aborda los conflictos que surgieron en el último siglo alrededor de Alemania y Rusia y sus zonas de influencia. Ucrania está hoy en el centro de la escena y es uno de los mayores problemas que enfrenta la humanidad. Snyder es un historiador y profesor de la Universidad de Yale. Es un gran erudito de ese lugar. Y si, es que también leo libros como este, lamentablemente, porque me gustaría leer los libros que la gente escribe y que se discuten en New York Review of Books.  The New Yorker tiene muy buenos artículos sobre arte, literatura y política. También estoy al tanto de lo que sucede en la publicación online The Intercept con una línea editorial bastante cercana a la izquierda. Hay allí entrevistas muy interesantes y es una fuente de consulta bastante confiable.

  En cuanto al cine, soy de mirar películas en Netflix, cuando tomo prestada la cuenta de alguien y ocasionalmente en HBO. Hay un muy buen canal llamado MUBI  que tiene muchas películas europeas, de todas partes del mundo, películas argentinas. Películas y directores que me gustan y no son tan conocidos. Debo decir además que soy un admirador de muchos films franceses en especial los de Louis Malle. Casi todos sus trabajos son geniales. Cómo Mi cena con André (1981) o Adiós a los niños (1987). Tiene películas muy diferentes al igual que el trabajo de Stanley Kubrick. El hecho de que pase de films como Doctor Strangelove (1964) o 2001, odisea del espacio (1968) a Barry Lyndon (1975). Todas películas tan nítidas y tan bien hechas y sin embargo tan distintas entre sí.  En fin, esto es lo que pasa cuando envejeces, recuerdas cosas de tu pasado profundo … y no lo que has visto recientemente. En realidad en Netflix recuerdo haber visto una o dos buenas series. Una llamada Babylon Berlin (2017) que está ambientada en la República de Weimar. Es básicamente un drama con mucho suspenso cuya trama aborda el poder invasor de los nazis junto a la llegada de policía que viene a Berlín desde otra ciudad. El ambiente es perfecto y está bellamente filmado.

  

  La otra es una serie danesa llamada Borgen y trata sobre política y la forma en que una mujer se convierte en primera ministra. Creo que encontré allí una conexión debido a que he estado involucrado en política en mi propia ciudad, Nueva York. Comprometido con la política cuando era estudiante. He estado vinculado a la política todo el tiempo, trabajando en programas comunitarios relacionados con grupos progresistas. Será por esto que leo   y escucho noticias más que cualquier otra cosa porque en algún punto estoy algo obsesionado con el rumbo del mundo. Y en este momento esa es una preocupación bastante deprimente.

  ¿Dónde vivís actualmente y cómo ves la escena musical actual? ¿Escuchas música de bandas nuevas?

  Estoy  viviendo en un antiguo edificio tipo Loft en Long Island City, Nueva York, que está al otro lado del East River en el distrito de Queens, muy cerca de las Naciones Unidas, a una cuadra del río. He estado aquí desde 1977. Es un lugar original. Es muy accesible. Llegué a este sitio por ser amigo de los Talking Heads. Tres de sus miembros terminaron viviendo aquí. En un principio fueron la sección rítmica de la banda, Chris ( Frantz) y Tina ( Weymouth) a quienes conocí a mediados de los setenta antes de que comenzarán a hacerse conocidos. Y fue a través de mi amistad con ellos que yo y Jerry Harrison nos mudamos a este Loft casi al mismo tiempo. Jerry Harrison había sido mi antiguo compañero de banda en The Modern Lovers y antes de eso en otras bandas en Cambridge, Massachusetts. Jerry, mi viejo compañero de habitación de la universidad se sumó a los Talking Heads como tecladista y segunda guitarra. Recuerdo que otro músico, Don Cherry y su esposa Moki se mudaron también al edificio a un Loft al lado del mío. ( Nota: Don Cherry fue un trompetista, multi-instrumentista y compositor estadounidense de jazz, uno de los principales representantes del free jazz y precursor de la world-music). Tenía de vecino a Jerry. Don y Moki Cherry estaban enfrente. Sus hijos Eagle-eye y Neneh, pasaron gran parte de su infancia aquí, alternando entre Estados Unidos y Suecia. Así que era un bonito edificio musical. Y solía ensayar aquí también con Arthur Russell y nuestro conjunto original, The Flying Hearts.

  Este lugar ha sido muy importante para mi porque me dió la posibilidad de vivir en Nueva York. Era lo suficientemente barato como para poder trabajar en otros empleos de medio tiempo y al mismo tiempo poder hacer música. Lo que por supuesto nunca me ha hecho ganar mucho dinero. Aunque aún conservo las esperanzas de que pueda hacerlo, incluso a mi edad. 

  La escena musical actual está en todas partes. Hay mucha música y muchos clubes en dónde tocar. Muchos de estos espacios están al otro lado de la pequeña vía fluvial, Newtown Creek, que nos separa aquí del norte de Brooklyn, es decir, Greenpoint y Williamsburg, donde hay ciertamente muchos músicos y muchos sitios para tocar. Diría que si bien hay muchos lugares para dar shows no hay muchos en los que ganes el suficiente dinero. He tocado en muchos lugares de por aquí y es una buena escena, excepto que… los músicos siempre somos críticos del circuito y en definitiva deberíamos tener una mayor retribución en términos materiales. No me gustaría criticar a los músicos más jóvenes. Porque si bien es valiente entrar en el negocio de la música también es relativamente fácil conseguir instrumentos. Es fácil aprender a hacer algo que suene bien y es fácil, relativamente, grabarlo.

  

                                         Vista de Long Island City

  Después de haber transitado tantos años el camino de la música independiente. ¿Cómo ves eso hoy a la distancia? ¿Cambiarías algo o habrías tomado otras decisiones?

  Por supuesto que habría tomado otras decisiones. Creo que me arrepiento de algunas cosas ahora . Como de no hacer giras muy bien pagas con las bandas en las que estaba. Por ejemplo, decir que no a proyectos bien retribuidos para concentrarme más en la música y en las bandas con las que me sentía artísticamente más identificado. Cuando grabé el álbum Here comes the night  (1981) de David Johansen ( ex- New York Dolls) él había planeado una gira bastante extensa y muy bien paga. Y dije que no para continuar trabajando con la banda con la que me sentía más involucrado artísticamente. Así que en verdad solo me arrepiento desde un punto de vista económico. Aunque me gusta mucho David Johansen y su música y esa etapa fue bastante divertida. Muchas veces no presté la suficiente atención para tratar de ganar dinero y simplemente me dediqué a hacer la música que me gustaba.

  

  La mayoría de la gente busca lo que es cómodo. Y si desafías este aspecto a largo plazo, creo que tienes más posibilidades de ser escuchado. Aunque va a ser un largo camino porque los caminos para ganar dinero y ganarse la vida son muy difíciles. Y hoy  hay  mucha gente intentándolo debido a que se puede grabar en la computadora de tu casa, incluso en el teléfono y se pueden lograr resultados aceptables. Hoy ya no es necesario ir a un estudio elegante y tener una gran cantidad de equipos disponibles. Se pueden grabar canciones con una profundidad emocional en equipos digitales muy simples. Lo que significa que  hay mucha más música que antes circulando y disponible para que la gente escuché. Pero a su vez es mucho más difícil sobresalir o hacerse notar. En síntesis es más difícil destacarse pero es más fácil entrar en el juego. Es un buen momento para ser plenamente creativo si eso es lo que buscas. Pero intenta mantener tu mente en equilibrio y no perder la cabeza en el caos del mundo. Inténtalo y trabaja duro, con esfuerzo, enfócate. Creo que sí yo hubiera tratado de concentrarme un poco más, hubiera obtenido muchos más resultados en cuanto a mi propia música. Y todo esto es algo que a mí edad de repente pienso y digo: “ Mierda!, ¿Por qué no lo hice? ¿Por qué estaba tan distraído? ¿Por qué salí tanto  de fiesta? ¿Por qué iba a los clubes nocturnos en Francia y me quedaba hasta tarde y perdía el tiempo y consumía drogas y sólo perseguía mujeres y hacía locuras que no tenían nada que ver con algo creativo? Y lo cierto es que tenía muy buenos modelos. Jonathan Richman trabajó muy duro en su música. Arthur Russell realmente persiguió su meta 24 horas al día. Él nunca dejó de escribir canciones y construyó grandes ideas melódicas y líricas. Gary Lucas, gran guitarrista, trabaja todo el tiempo en tocar la guitarra, trabaja en sus composiciones. Todos me decían: “ Ernie, puedes hacer esto, puedes hacer aquello. Solo concéntrate”. De todos modos, ¿qué más te puedo decir?.

  

  ¿Te interesa la política como transformadora de la realidad? ¿Qué cosas del mundo te preocupan? ¿Te llevas bien con esta vida que nos toca vivir hoy ?

  La política es una gran parte de nuestra realidad. Quiero decir, si pensamos en el mundo en este momento, y observamos lo que está pasando con la guerra en Ucrania por ejemplo y cuánto de todo eso influye en algún sentido en nuestra cotidianeidad. Quizás no sea un  problema tan grande en Argentina. Pero ciertamente estar viviendo en Nueva York y la gran cantidad de ucranianos que viven en el Lower East Side te conecta más directamente con esta situación. De hecho he estado trabajando con un congresista que tenía esa problemática en su distrito y en su agenda. Pero el conflicto no se refiere sólo a eso sino también a la idea de ver personas que están siendo masacradas en una escala que no se ha visto desde la segunda guerra mundial en medio de Europa. Personas que son como nosotros. Además de las otras personas que mueren de hambre en el subcontinente, lo que es igual de horrible. Creo que está guerra está grabada a fuego en nuestra conciencia todos los días. Y luego, también, todos los efectos concomitantes de esta determinación bélica en lo que respecta a inseguridad alimentaria, aumento de precios de la energía, la exacerbación del cambio climático.

  El gobierno de Estados Unidos destinará una gran cantidad de dinero a construir maquinaria de guerra en Ucrania. Esto es suministrar  cosas de mucho valor que finalmente serán destruidas. Muy a menudo siento que debería estar en contra de esta guerra. Claro que lo estoy pero no estoy en contra de apoyar a Ucrania, aunque  me doy cuenta de lo increíblemente destructivo que lo que está pasando allí. Supongo que de algún modo se trata de elegir el menor de los males. Si no los ayudaramos serían eliminados de todos modos. Y sin mencionar la brutalidad de los rusos que es bastante impactante.

  De todos modos esto es interesante porque he estado hablando con una persona que trabajaba para una estación de radio rusa, así que recibo algunas actualizaciones de lo que está ocurriendo allí. Por eso la política es tan importante como transformadora de la realidad. Desafortunadamente gran parte de los cambios que se han producido han sido realmente malos. Especialmente durante los últimos tiempos y el gobierno de Trump. Antes de ese gobierno hubo una especie de descanso con Obama, que no fue genial, pero ciertamente mejor que los ocho años de Bush. Pienso en cómo la política realmente podría haber transformado la realidad si en el año 2000 se le hubiera permitido a Al Gore acceder a la presidencia ya que fue una victoria y concentró mucho voto popular. ( Nota: Gore fue el Vicepresidente de Clinton y luego compitió con Bush por la presidencia en el año 2000 con el que perdió polémicamente por una ajustada diferencia de 537 votos ). Todavía me despierto con pesadillas pensando en el resultado de esa elección porque Gore hubiera sido una gran oportunidad. Si él hubiera ganado no hubiéramos entrado en guerra con Irak que puso en marcha tantos eventos catastróficos en Medio Oriente. Lo que pasó con ISIS, lo que ocurrió en Siria. Fue un desastre total. La presidencia de Bush ignoró todo lo que estaba pasando con el cambio climático. Estaba totalmente a favor de los grandes combustibles fósiles ( Nota: Petróleo, Carbón, gas natural y gas licuado del petróleo. Son combustibles baratos , en comparación con otras fuentes de energía. Su uso produce la emisión de gases que contaminan la atmósfera y resultan tóxicos para la vida. Al ser utilizados contaminan más que otros productos que podrían haberse utilizado en su lugar). Todo esto a través de su vicepresidente Richard Cheney, y sus compromisos con empresas como Halliburton (nota: Es una corporación estadounidense que, dedicada a la prestación de servicios en los yacimientos petroleros, actualmente desempeña su labor en más de setenta países. Posee cerca de 300 empresas subsidiarias, afiliadas, sucursales, marcas y divisiones en todo el mundo). Relacionado a este aspecto la política si podría ser un medio de transformación. Pero lo que necesitamos es una buena dirección, una buena conducción. Nuevamente tenemos elecciones dentro de un tiempo. Un poco más de un mes. El 5 de noviembre serán las elecciones en el congreso. Y si los demócratas pierden, si pierden la cámara y el senado, yo diría que todo retrocederá muy rápidamente. Muchas de las buenas decisiones que se han tomado se echaran a perder. Y si la gente no entiende eso, y si los demócratas no luchan excepcionalmente duro para ganar, estamos realmente perdidos. Y supongo que la mayor pérdida será que si en esta elección no se apoya a los demócratas y por lo que están luchando en este momento, podría ser la última elección verdadera que tendrá este país. Porque entonces algunas facciones se aliaran con Trump, los partidarios del fraude, los negadores de las elecciones. Por eso es conveniente estar en una buena posición electoral para tomar el poder. No quiero entrar en problemas con esto. Pero creo que es más peligroso de lo que la gente considera que es.

  Entre las cosas que me preocupan obviamente está el cambio climático que se está manifestando en gran parte del mundo e inclusive aquí. Quiero decir, California se va a quedar sin agua. California es el lugar en donde se cultiva una gran cantidad de alimentos como frutas y verduras que luego se distribuyen al resto del país. El nivel freático  (La distancia medida entre el agua subterránea y la superficie) allí está cayendo. Los depósitos se están vaciando. Los ríos se están secando. Quiero decir que esta es la realidad y está sucediendo ahora. Y no va a ser fácilmente reversible. incluso si de repente cambiamos por completo toda la generación de electricidad a energías renovables. Si reducimos los combustibles fósiles mucho más rápido de lo que realmente vamos a hacerlo. Nada de esto nos asegura que podamos evitar caer por el barranco. Creo que ya se ha llegado a un punto de inflexión en muchas áreas y no creo que haya forma de recuperar el equilibrio. Ese es uno de mis temores y lo que actualmente me preocupa. En este momento podrías tener la impresión de que mi vida está llena de ansiedad. Y es verdad, me preocupo por todas estas cosas que están sucediendo.

  Me preocupa Nueva York, donde hay una desigualdad tremenda. Vivo a cinco cuadras, muy cerca de un desarrollo de departamentos de lujo en la costanera. Y por ejemplo hoy fui a una reunión de activistas en el parque al lado de Queensbridge Houses que es el desarrollo de viviendas públicas más grande del país. Es probablemente uno de los más grandes del mundo. Y  está habitado en su mayoría por afroamericanos de muy bajos ingresos. Conozco mucha gente allí y he pasado mucho tiempo en ese espacio durante los últimos años.

  

            Queensbridge Houses, Long Island City

   Soy parte de una organización llamada Justice for All Coalition, que trabaja para mejorar el mantenimiento de esos departamentos, que a menudo se encuentran en condiciones realmente lamentables. Hay roedores, cucarachas, techos que se vienen abajo, con humedad y goteras. Las entradas, pasillos y ascensores están en malas condiciones.

  Durante COVID, ese lugar se vio muy afectado. Tenían cuatro ascensores y por ejemplo tres de ellos no funcionaban. Fue muy duro. Todo el mundo se amontonaba en un solo elevador. De todos modos, el tema del acceso a la vivienda a precios accesibles es un problema a nivel mundial. No hay equidad en el mundo. Y la redistribución de la riqueza es parte de la respuesta. En otra dirección la sociedad está siendo más consciente del uso de la energía. Si bien es un gran problema que todavía sigamos subsidiando  a las compañías de combustibles fósiles.  El Congreso finalmente pudo autorizar algo más de 300 mil millones de dólares para impulsar la economía en una dirección ecológica verde más sana. Pero eso es una gota en el balde en comparación con todo lo que hemos hecho previamente para fomentar la minería, la perforación, el extractivismo, todo lo que ha sucedido durante el último siglo y medio debido al poder político de las industrias de combustibles fósiles.

   Y podría agregar algo sobre la industria farmacéutica, que es enorme y creo que es aún más grande, en términos del dinero que invierten en política para tratar de asegurarse de que las leyes gubernamentales los apoyen. Para que las personas o mejor dicho los pacientes terminen pagando precios exorbitantes por los medicamentos. Remedios que a veces no los ayudan realmente. Respecto de si me llevo bien con esta vida que hoy nos toca vivir.  La respuesta es sí. He hecho las paces con mi vida pero igualmente es una lucha. Y tener una familia hoy también lo es. Con la excepción de que hayas heredado alguna fortuna. Nunca,  cuando salí de Harvard, trate de fomentar ciertas conexiones que me hubieran hecho ganar dinero. Si en cambio opte por la música y hoy estoy enseñando de nuevo pero siempre con una orientación activista. No con el objetivo de ganar mucho dinero pero sí con la dirección puesta en ganar lo necesario para vivir y mantener cierta responsabilidad. Pero, ya sabes, es difícil. 

  El mundo de hoy ya no es el mismo que el de la guerra fría dónde estaban por un lado los comunistas y un mundo supuestamente libre por el otro. Hoy existe una especie de autoritarismo militarizado que contiene elementos capitalistas. Algo similar a un comunismo que nunca fue puro. Putin construyó su poder y su fortuna manipulando a los capitalistas y al capitalismo. Y ahora está desplegando su poder en la lucha contra occidente y contra el concepto mismo de democracia. Y creo que todo esto es bastante aterrador. 

  Respecto a América del sur me resultó interesante ver cómo algunos  países como Chile, Perú y quizás Brasil se volcaron más hacia la izquierda. Y realmente no sé mucho sobre la situación política en Argentina. Debería aprender más al respecto. En algún momento quizás podrías contarme más sobre eso.

  ¿Qué les dirías a los jóvenes que hoy comienzan a recorrer el camino de la música?

  Hay muchos jóvenes a mi alrededor. Veo a los hijos de mis amigos. Veo a mi hija menor que ahora tiene 24 años y que ha estado escribiendo algunas canciones pop geniales con su novio. Y siempre estoy yendo y viniendo entre alentarla por un lado, y luego tratar de aconsejarla sobre las trampas y escollos de tratar de hacer música en la actualidad. Obviamente las formas de ingresar al mundo de la música e intentar ganarte la vida con ello, son muy diferentes de cuando comencé con The Modern Lovers. Tenías un contrato discográfico. Grababas un disco. La compañía lo promocionaba. Todo un camino que Modern Lovers de alguna forma no continuó. Y nunca he estado en una banda que haya seguido sin problemas cualquiera de los caminos posibles hacia el éxito. Por eso es posible que ahora no sea la persona más adecuada para dar consejos. Lo que sí podría recomendar es intentar hacer la música que sientas hacer, decir lo que sientas decir sin miedo. Y aunque ciertamente puedes escuchar mucha música y tomar prestados sonidos del pop moderno, de la música clásica, de la música popular… No trates de hacer algo que sea solo una copia servil! No trates de copiar la música de moda o la que ha tenido éxito. Que paradójicamente suele ser un buen camino hacia el éxito porque la gente busca aquello que le es familiar.

  

  

  1 de diciembre de 2023

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• Bruce Mitchell: Porqué nunca nadie debería dejar de preguntarle a un baterista

  

  Fundador a principios de los años setenta, de la banda mancuniana de punk y comedia rock, Alberto y Lost Trios Paranoias. Fue convocado por el eximio guitarrista de culto Vini Reilly para integrar su proyecto The Durutti Column, una de las apuestas Post Punk más inquietantes y prolíficas que ha dado la escena  inglesa.  A los 83 años la leyenda viva de Manchester maneja una compañía de sonido y continúa haciendo planes con Vin, su viejo amigo y socio.

  Por Darío Falcón 

  

                                     The Durutti Column

  Hay sonidos y músicas desconocidas,  con poca visibilidad que crean las condiciones para que luego surjan determinados movimientos genéricos cuyas bandas más representativas pasan a ocupar un lugar de privilegio. Pero siempre podemos buscar sus antecesores. Los iniciadores. Los eternos inspiradores. Los pioneros que se anticiparon a  todas las estéticas que vendrían después. Una de las primeras bandas punks( en clave satírica o de comedia) que Jez Kerr de A Certain Ratio vio fue de Alberto y Lost Trios Paranoias. » Bruce Mitchell es un héroe de Manchester y gracias a ellos fue que comenzó a gustarme el bajo y su potencia» señaló.

  En la actualidad el subgénero comedia rock puede encontrarse en grupos como Ween, Flight of the Conchords y Tenacious D, está última liderada por el actor Jack Black. Aquí la utilización del humor y el grotesco como forma de abordar el género  no actúa en detrimento de las cualidades musicales o de la propuesta estética en clave sonora. Se complementan. Ya en el film  americano This is the Spinal Tap (1984), el rock se construía audiovisualmente en modo de parodia por una banda ficticia que emulaba todas las características típicas de un grupo de heavy metal que en ese caso podría referir claramente a Motorhead.

  Alberto y Lost Trios Paranoias se formó en Manchester  en 1972  y estuvo integrada por Chris «CP» Lee , Jimmy Hibbert,  Bob Harding, Les Prior, Simón White, Tony Bowers, Ray Hughes  y Bruce Mitchell.

  Se constituyeron como un grupo que abordaba el rock de manera satírica y que hacía uso de la parodia para interpretar los estilos musicales de su época. El nombre surgió como un derivado humorístico del conjunto latinoamericano Alberto y Los Tríos Paraguayos y editaron su primer disco homónimo en 1976. Oscilando entre el rock psicodélico, el progresivo y el reggae fueron capaces de parodiar con un talento inigualable a músicos reconocidos del momento entre los que podríamos mencionar a Pink Floyd y Bob Marley. Una reseña de la revista Melody Makers describió sus shows como un equivalente a un «Cabaret Dadaísta»

  

  En 1977 y con la explosion del Punk en Gran Bretaña, Alberto y Lost Trios Paranoias se amoldaron a las exigencias de aquellos tiempos y no dudaron en satirizar a través de su música y de su puesta en escena a Sex Pistols y The Clash, dos de los grupos más representativos del movimiento. Llegando a convertirse en una de las bandas favoritas de Joe Strummer.

  Tras su separación durante la primera mitad de los años 80 algunos miembros continuaron su carrera en bandas como Simply Red. Bruce Mitchell, su baterista se incorporó a la ecléctica propuesta del guitarrista y compositor Vinni Reilly, denominado The Durutti Column.

  

  The Durutti Column fue en 1978 la primera banda que firmó en para Factory Records, el mítico sello de Tony Wilson que revolucionó la escena de Manchester. Bruce trabajó como director de Wilson a lo largo de su carrera.

  El nombre había sido tomado de una tira cómica de cuatro páginas titulada «Le Retour de la Colonne Durruti» («El regreso de la columna Durruti») de André Bertrand, que fue editada en medio de protestas estudiantiles en octubre de 1966 en la Universidad de Estrasburgo en Francia.

  Luego del paso de algunos músicos como el propio Wilson ( Factory Records)  y Alan Erasmus ( cofundador del club The Hacienda), The Durutti Column, entonces, pasó a convertirse en el proyecto en solitario de Reilly. Sin embargo muchos músicos contribuyeron a las grabaciones y presentaciones en vivo según las circunstancias lo requirieran.

  La música no se parecía en nada a lo interpretado por las bandas post-punk del momento. Recordemos que en ese periodo estaban en pleno auge grupos con una estética más oscura como Joy Division y otros más ligados a la fusión de estilos y la música de baile como A Certain Ratio. Vinni Reilly cómo contrapartida, apuesta por una obra sumamente diferente y arriesgada en un intento más experimental de acercarse a la música. Un compendio ecléctico de estilos como el Jazz, la música clásica y el flamenco siempre abordados de manera sutil y expresiva. The Durutti Column es una de las bandas más anacrónicas y originales de su época.

  

  Declaró este año Vini Reilly a The Guardian: «Cuando conocí a Bruce ( Mitchell) estuve a punto de suicidarme .Era la tercera vez que lo intentaba. Bruce me llevó a su casa. Y mi depresión se disipó gracias a una niña muy preciosa [la pequeña hija de Mitchell]. De repente, te concentras en ella y no te concentras en tu propio cerebro. Eso me mantuvo en marcha. Literalmente me salvó la vida. Desmantelé mi arma y la arrojé al Mersey”.

  En el disco Dry (1991) de The Durutti Column las quince canciones fueron grabadas en Manchester y allí Vini toca la guitarra y el piano, mientras que Bruce Mitchell toca la percusión electrónica y acústica. El álbum cuenta con la participación de Zinnia Mitchell Williams quien se encarga de la ejecución de otros instrumentos como el clarinete.

  

                          The Durutti Column, Dry (1991)

  https://spotify.link/frX0MwXQ4Db

  Incluso muchos hablan de que si bien Tony Wilson fundador del sello Factory Records y del club The Hacienda tuvo un gran reconocimiento por su aporte a la re-dimensión sonora de la ciudad , es Bruce Mitchell la verdadera leyenda de Manchester, mencionado así por el propio Wilson y muchos de sus colegas. Ha señalado Peter Hook de New Order : «No hay mucha gente en el rock’n’roll como Bruce, con su monóculo y sus sombreros. La reputación de Mitchell es el resultado de su «total generosidad» y su voluntad de participar. Él considera que ayudar a las bandas es un deber cívico. No puedes actuar en ningún lugar de Manchester sin él». El cofundador de The Fall, Martin Bramah, considera por su parte, que Mitchell es  «uno de los tipos que hicieron, y todavía hacen, que Manchester suceda». 

  

  Bruce Mitchell y Tony Wilson

  Muchas bandas de los setenta alquilaban equipos de luz y sonido a Bruce Mitchell por lo que comenzó a frecuentar a  grupos como The Buzzcocks, The Fall y Joy Division. Clint Boom de la banda Inspiral Carpets ha dicho que Bruce Mitchell es casi una figura paterna para muchos grupos jóvenes que han reconocido en él su total empatía  con las nuevas generaciones.

  Conversamos con Bruce, a cincuenta años de la formación de Alberto y Lost Trios Paranoias y a más de cuarenta de haberse convertido en parte fundamental de la banda de culto The Durutti Column.

  

  La infancia es a menudo el momento de nuestras vidas en donde absorbemos con facilidad todo aquello que circula a nuestro alrededor. Cuál fue tu primer contacto con la música de pequeño. ¿Por qué decidiste comenzar a tocar la batería y contame si había músicos o artistas en tu familia que te impulsaron de alguna manera a tomar este camino?

  Mi padre era baterista y bajista y también maestro de escuela. Recuerdo que me gustaba mucho su colección de álbumes y su enorme reproductor de discos… Desde los trece años me quedaba escuchando a Gerry Mulligan, Thelonius Monk y otros músicos, con la cabeza metida entre los parlantes, por lo tanto, dentro de la música… Luego seguía tocando esas canciones  y las practicaba en una batería que tenía armada al final de mi cama.

  Papá, además, dirigía una agencia que contrataba pequeñas bandas para  conciertos, eventos sociales y bailes de bodas. Las veces que  él tenía doble reserva y estaba muy ocupado, me ponía un traje de noche y me enviaba en su representación junto con las bandas.

  

                              Alberto y Lost Trios Paranoias 

  Una de tus primeras bandas fue Alberto y Lost Trios Paranoias. Una extraña fusión de comedia y rock. Contame cómo ingresaste al grupo? Llegaron a tocar con The Police, The Stranglers, Devo, The Clash y Joy Division entre otros. ¿Algún show o anécdota en particular que recuerdes de aquellos años? Crees que Alberto …  ¿Es una banda que debería recibir más atención en medio de tanto revival?

  Mucho antes de Alberto y Lost…, de hecho, desde 1958 estuve en bandas de Trad Jazz.. Bandas de baile y grupos de Jazz moderno. En  Bandas de acompañamiento.  Toque en The Cavern en Liverpool ( El lugar que vio nacer a los Beatles), en grupos como Victor Brox Blues Train (que tocó con unos muy jóvenes Pink Floyd) John Mayall y  varias bandas de Blues.  También dirigía las  Jazz Nights cuyas funciones  eran en un pub en Manchester. También me contratarían en reiteradas ocasiones como baterista de la casa. A finales de los sesenta trabajé con Spider Mike King banda en la que  tocó el bajo  Martin Hannett  ( Productor de Joy Division) y en Greasy Bear grupo antecesor de Alberto and Lost Trios Paranoias. También con  Ian Dury antes de su etapa con The Blockheads.

  Alberto and Lost … También encabezó shows que fueron abiertos por grupos como The Police y Devo. Todo esto antes de realizar una gira con un exitoso espectáculo de sátira con el disco Snuff Rock por toda Europa. Ese período está bien documentado en el libro del cantante y guitarrista de la banda C. P. Lee: When we were Thin (Cuando éramos delgados).

  También teníamos una serie de televisión llamada Teach yourself Gibberish (Enséñate a estar en apuros)  y nuestra Obra Musical Sleak.

  Nuestra carrera en Manhattan se  terminó cuando John Lennon recibió un disparo afuera del hotel frente a nuestro teatro! (Nota: Por ese entonces Alberto… estaba presentando su obra musical Sleak o Snuff Rock en Estados Unidos. Se consideró que un show que incluyera a la muerte entre sus temáticas era inapropiado en medio del trágico desenlace del ex Beatle. Incluso CP Lee el cantante de la banda realizó un spot radial emulando la voz de Lennon e invitando a la gente a acudir al show de Alberto and Lost… por lo que su gira por norteamérica terminó siendo cancelada).

  

             El debut de Devo abriendo para AYLTP en 1978

  

                              Alberto y Lost Trios Paranoias 

  

  ¿Cómo crees que te influyó  el hecho de haber nacido en Manchester en tu visión del arte y de la vida en general. ¿Es una ciudad con una gran tradición musical sobre todo a partir de los años 80?

  Manchester siempre ha estado gravitando por debajo… Y luego gravitando por arriba. Pero en realidad Liverpool ha tenido más importancia para mí.

  https://spotify.link/PACOTvPR4Db

  Sos mayormente conocido por haber sido el baterista del grupo The Durutti Column. Recordas el dia en conociste a Vini Reilly? Qué música escuchaban en esa época y que intereses tienen y siguen teniendo hoy en común. Tengo entendido que hasta  el día de hoy sos muy amigo y también manager de Vini?

  Vin apareció un día en la puerta de mi casa después de que regresé de EE. UU., para invitarme al estudio  a grabar dos temas para  un Ep que contenía las canciones Danny y Enigma y que luego fue editado por el sello francés  Sordide Sentimental ( nota: fundado en 1978 por Jean-Pierre Turmel e Yves Von Bontee, destacado por sus lanzamientos de los primeros trabajos de Joy División, Devo, Ludus y Tuxedomoon entre otros).

  En ese momento ya me había quedado impactado por una grabación en cassette de una pieza solista de Vini, grabada por Tony Bowers ( miembro  de Mothmen & Simply Red).

  Recuerdo que una o dos semanas después de grabar para Sordide Sentimental también lo hicimos para Factory Records de Tony Wilson que editó el álbum LC de Durutti Column en 1981.

  El padre de Vin tenía una colección de discos muy  similar a la discoteca de mi padre. A los dos nos encantaban esos músicos destacados. Y todavía hoy me siguen gustando.

  

                                   Vini Reilly y Bruce Mitchell 

  

  Cuál crees que es el factor que  determina que The Durutti Column continúe siendo una banda de culto a pesar de su innovación y de su gran calidad musical y compositiva? La banda debería ocupar otro lugar en la historia de la música?

  Somos conscientes de que el Maestro Vin y Durutti Column ya han tenido un profundo efecto en la música moderna, ¡porque la gente y los músicos siguen comprándo sus discos!

  

  ¿Cuál fue el último show que tocaste con la banda? ¿Sos nostálgico de las viejas épocas?

  Nuestros últimos shows fueron la presentación durante tres noches del concierto Paean to Wilson (Un Himno a Wilson) en el Festival Internacional de Manchester en 2009. ( Nota: Dos años después de la muerte de Tony Wilson el fundador de Factory Records en 2007,  se estrenó este  tributo instrumental de  Vinni Reilly junto a otros miembros de Durutti  Column : Bruce Mitchell , Poppy Morgan y Keir Stewart) para homenajear a su antiguo amigo y mentor. El hombre que definió la vida musical de la ciudad).

  También tocamos en el año 2012 en la presentación del álbum  Chronicle en el Bridgewater Hall en Manchester.

  Aunque la salud de Vin muy a menudo es algo frágil, todavía grabamos y tenemos algo de música para editar en un futuro cercano.

  La nostalgia no es algo que nos invada, sería una sorpresa para nosotros….

  

  

                                         Tony Wilson y Vini Reilly

  Actualmente  seguís trabajando en tu empresa de Luz y sonido llamada Manchester Light and Stage Company. Tenías una gran necesidad de seguir vinculado a la música de alguna u otra forma… ¿Cómo se te ocurrió crear y dar forma a este proyecto?

  Empecé Light and Stage Company para iluminar los shows de Alberto and Lost Trios Paranoias. Nuestro roadie (plomo),  Dougie Marnoch fue mi socio en ese proyecto. Seguí el emprendimiento por mi interés y curiosidad por los últimos grupos emergentes y músicos jóvenes. ¡¡¡Siempre podía estar en las listas de invitados!!!

  

                                              Desde 1974

  ¿Cómo es hoy un día en la vida de Bruce Mitchell? ¿Algo que haya quedado pendiente? ¿Algún sueño por cumplir?

  Acabamos de comprar algunas imágenes audiovisuales de Durutti Column que han estado en disputa legal durante mucho tiempo. Estamos ansiosos por dar forma y terminar este proyecto. Capta la especialidad de Vin.

  Con toda tu experiencia vivida que le dirías a un joven músico que recién está por comenzar? ¿Cuáles son las dificultades que todo artista debe sortear?

  No lo pienses demasiado. Simplemente haz el trabajo… y sácalo al Aire…. La nueva música es ahora muy democrática y emocionante en su alcance a todo el mundo.

  Recordar es volver a pasar por el corazón?

  Sólo recuerdo cuando me obligan a….  ¡Como ahora ! ¡Los mejores deseos!

  

  20 de octubre de 2023

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• sonate los oídos. capítulo uno: the band Of Holy joy

  Podcast por Darío Falcón para Radio Gulp

  Entrevista exclusiva

  

  https://spotify.link/I8Q68EcCuDb

  29 de septiembre de 2023

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• Eugenie Diserio de Model Citizens y The Dance: Un baile moderno con los astros

  

  Artista visual egresada de la Universidad de Columbia, en los años 70 integró la banda Avant-garde Model Citizens cuyo primer Ep fue producido por John Cale de la Velvet Underground y publicado por su sello Spy Records . Luego formó el grupo The Dance y abrió shows para The Cure, Depeche Mode y Duran Duran. 45 años después vuelven a editarse en vinilo los álbumes de sus dos bandas de experimentación y vanguardia. Dedicada por completo a la pintura y astrología, Eugenie rememora el fulgor y  el riesgo estético tan presente en sus primeros años como música y artista plástica.

  Entrevista exclusiva 

  

   Por Darío Falcón 

  Creo que en  la vidriera del rock underground aún hay lugar para pocas bandas. Sobretodo si tenemos en cuenta la cantidad de variables estéticas  que allí deben apostarse. Las vitrinas son muchas veces mezquinas. Por lo general son vidrieras laterales ubicadas al fondo de los oídos y miradas.Quienes de estos grupos  lograron atraer la atención, despertar el interés y dejar un recuerdo grato? Solo los portadores de un  efectivo dispositivo de promoción y algunos pocos que  lograron filtrarse por la estrecha grieta que conecta el mundo invisible del autor, con el espectro elitista de los elegidos de la escena independiente. Se continúan  escribiendo toneladas de caracteres que luego van a parar a libros, críticas y ensayos. Miles de páginas, y cientos de reseñas sobre músicas y nombres  que ya lo dieron todo. Y que contaron con el viento a favor de su época. Giramos siempre sobre el mismo eje y lo que es peor descuidamos nuestra capacidad de seguir explorando al servicio del descubrimiento de nuevas miradas. Nos estancamos por miedo a seguir escarbando y a encontrar nuevas formas que echen a volar todas las teorías sobre el rock que se esgrimieron hasta el momento. Muchos de sus protagonistas no fueron profetas en su tierra. Fueron hermosos perdedores que se ubicaron a un lado incluso de la propia escena independiente que ya de por sí necesita de enormes esfuerzos para poder dar visibilidad a  bandas que por elección o contingencia  crecían de espaldas al Mainstream. Otros lograron vibrar en sincronía con la escena de su tiempo pero luego fueron olvidados y no lograron persistir en el tiempo. Deberán pasar muchos años para que se pueda poner en valor su estética y su legado. Los independientes de los independientes, en muchos casos, no consiguieron ser editados en su lugar de origen, pero sí permanecieron en el recuerdo vivo de quienes fueron testigos físicos de un momento de la música, en dónde mucho estaba por hacerse . Está claro que hay historias que ya están escritas y otras que aún están por delinearse incluso cuando hayan transcurrido más de cuarenta años desde su origen. El magnetismo post punk funk de la banda The Dance y la seductora voz y personalidad escénica de Eugenie Diserio, nunca logró alcanzar un reconocimiento sostenido en el tiempo. Aunque hayan gozado de cierta trascendencia  durante sus comienzos. De repente se produjo una pausa y un manto de amnesia se esparció silenciosamente  por más de cuarenta años.                                                 

  A fines de los años 70 un grupo de amigos egresados de la carrera de Bellas Artes de la universidad de Columbia fundaron en Nueva York la banda experimental Model Citizens. Vivían juntos en un Loft en el barrio de Harlem, New York, en dónde comenzaron a dar forma a un proyecto musical que incorporaba sus diferentes aptitudes creativas como la pintura, el diseño de moda, la gráfica, y el arte en cuanto a concepto y exploración. Fueron creadores de un sonido rabioso y disonante y estaban dispuestos a transgredir todas las fronteras de la música dominante de la época, para lanzarse  a un vacío rico en experiencias, tanto visuales como compositivas. Los ciudadanos modelo solo alcanzaron a registrar un EP y algunas grabaciones en vivo. La mitica revista East Village Eye promocionaba y obsequiaba, a principios de los años ochenta, un compilado en casette con la mejor musica del centro de Nueva York a los lectores que se suscribieran por un año. La banda Television y Patti Smith eran parte de la seleccion que tambien incluia a otros grupos menos conocidos pero prometedores tales como Model Citizens y Theorical Girls.

  

  El anuncio del compilado del East Village Eye

  

  

  

                                                     Model Citizens

  De la banda  integrada por Steve Alexander, Eugenie Diserio, Tomek Lamprecht y Gloria Richards y que incluyó en el bajo a Billy Robertson, fundador del legendario grupo Polyrock, surge luego el grupo The Dance. Cómo siempre, las tensiones internas y los intereses variables de sus miembros contribuyeron a la separación y posterior formación de un nuevo proyecto orientado al desarrollo de un sonido más bailable enmarcado en la corriente No Wave o Post Punk de aquellos años de búsquedas intensas y de frenesí poético.

  

  

                  Eugenie en la época de Model Citizens 

  A principios de 1980 Eugenie Diserio ( voz y teclado) y Steven Alexander ( guitarra) quienes por ese entonces eran matrimonio y dupla creativa, decidieron dar forma a The Dance. Un seductor combo de Post/Punk/Funk sensual y explosivo. Al grupo se sumó el baterista, Fred Maher ( Bill Laswell y Scritti Politti) quien tiempo después se convertiría en el productor del álbum New York de Lou Reed. Pero hay una línea rítmica constante en toda la producción del grupo que es el bajo contundente de Louis Watterson. La formación fue completada con el percusionista y saxofonista Jim Martin. The Dance fue parte de la prolífica escena  post punk/ No Wave junto a Bandas como Liquid Liquid, Konk, B’52, DEVO, Bush Tetras, Arto Lindsay de los DNA, ESG, Lounge Lizards, James Chance, Lydia Lunch, The Slits y PiL. «Estábamos tan involucrados en la escena de Nueva York que era una comunidad real. Jean-Michel Basquiat venía a nuestros shows y comía de nuestra bandeja de delicatessen» Recuerda Eugenie en una entrevista.  The Dance dió origen a una forma musical única, dinámica, compuesta de influencias como el Funk, el hip-hop, el reggae y el rock. La  seducción encarnada en la voz de Eugenie quien a su vez también se encargaba de los teclados se convirtió en un claro poético, complemento de las guitarras minimalistas y repetitivas de Steve apoyadas en el bajo teñido de Funk de  Louis. Uno de los mejores bajistas de Nueva York en palabras de Steven Alexander.

  

                                                            The Dance 

  Los álbumes In Lust (1981) y Soul Force (1982) que en ese entonces no lograron ser editados en su país y fueron lanzados por el sello europeo Statik Records encuentran ahora una nueva oportunidad de ocupar un lugar de mayor preponderancia con el reciente lanzamiento en vinilo del sello estadounidense Sundazed Music/Modern Harmonic. Quien además suma el álbum Do Dada como parte esencial de la discografía de la banda.

  

  En los noventa Eugenie, fundó Astronet, un sitio web de astrología que ofrecía horóscopos y lecturas de tarot. Con su personaje Genie Easy, fue nombrada pionera en contenidos de Internet. En la actualidad se encuentra desarrollando su trabajo como pintora y artista visual. Participa regularmente en exposiciones y su obra es parte de colecciones privadas.Eugenie Diserio vive y trabaja en Stamford, Connecticut, EE. UU. «La energía es una práctica espiritual. Cuando confío en el proceso de seguir mi propia energía, intuición y guía del universo, generalmente me aporta resolución y claridad a la pintura, así como a los asuntos de la vida» ha dicho Diserio. 

  Nos contactamos con Eugenie para recordar sus comienzos en el arte y la música y para trazar algunas pinceladas que sirvan para reconstruir y para otorgar un nuevo significado a la escena Post Punk/No Wave Neoyorquina de la que aún resta mucho por descubrir.

  

                                                 Eugenie Diserio 

  Hola Eugenie: ¿Cuál fue el momento durante tu infancia en el que decidiste  que ibas a seguir por la senda del arte? Quienes te inspiraron? ¿Fuiste pionera o ya había artistas en tu familia?

  Desde que tengo uso de razón, cuando era niña, siempre dibujaba, coloreaba, pintaba y garabateaba y continúe haciéndolo así,de esa manera. Luego comencé a desarrollar más habilidades de dibujo y pintura, tomé algunas clases de arte, gané el premio de arte en mi escuela secundaria y finalmente fui a la universidad para especializarme en artes visuales. La verdad es que no había muchos artistas en mi familia. Mi madre hacía algunas acuarelas escénicas durante el verano como pasatiempo. La mayoría de los miembros de mi familia eran médicos y abogados. Realmente no conozco a nadie específicamente que me haya inspirado. Me inspiré desde adentro mío. A medida que crecí fui a museos y galerías de arte y ciertamente encontré inspiración allí. En mi tercer año de universidad viví en Roma y viajé por toda Italia y ver el arte del Renacimiento en museos e iglesias fue una gran inspiración.

  

  ¿Contame cómo se formó Model Citizens, tu primera banda en los años 70. Una época de gran efervescencia contracultural y de aires nuevos en la escena independiente de Nueva York?

  Model Citizens se formó realmente por curiosidad y por capricho. Nosotros cuatro, Steven Alexander, Eugenie Diserio, Tomek Lamprecht y Gloria Richards, éramos estudiantes de posgrado en una maestría en Bellas Artes en la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York. Nos estábamos alejando del arte visual para dedicarnos al arte conceptual y escénico. Además, estábamos realmente inmersos en la música punk y new wave que se hacía en todas partes y éramos clientes habituales de los clubes del centro de Nueva York (Downtown),  como el CBGB y Max ‘s Kansas City. Además, Talking Heads fueron antiguos estudiantes de arte de la Escuela de Diseño de Rhode Island. Entonces pensamos: hey! ¿por qué no nosotros?

  

                                                     Model Citizens 

  Billy Robertson quien luego pasó a formar Polyrock integró las filas del grupo por aquel entonces. ¿Qué Recuerdos tenés de él?

  Billy Roberston fue uno de los dos bajistas de Model Citizens. Tocó en el EP producido por John Cale, pero no en algunas de nuestras actuaciones más importantes, después él se fue para formar Polyrock con su hermano. Lo recuerdo como un joven realmente bueno y un músico ambicioso y talentoso. Polyrock firmó un contrato discográfico con RCA, creo, cuando Model Citizens aún no había firmado ningún contrato.

  

  Gloria Richards y Billy Robertson

  ¿Cómo conocieron a John Cale de la Velvet Underground y que crees que vio en ustedes para llegar a producir su primer demo? Fue un gran voto de confianza. Lo disfrutaron o fue algo que vivieron con cierta presión? John ya era un músico reconocido en esa época…

  John Cale obviamente vio actuar a Model Citizens en CBGB. Muchos de los músicos veteranos seguían a las bandas nuevas y más jóvenes de la escena. Jane Friedman, la primera manager de Patti Smith, era la socia romántica y comercial de John en ese momento y nos buscó para grabar para el sello Spy que estaban formando. No estoy segura de lo que vio en nosotros. En ocasiones éramos conocidos como los «B 52 ‘S de Nueva York» pero éramos mucho más artísticos y musicalmente experimentales. Recuerdo que John Cale mantenía una hermosa distancia en el estudio, lo que nos quitó un poco la admiración que le teníamos afuera de allí.

  

  

  

  Incluso siendo una banda nueva y que duró menos de dos años llegaron a tocar en un concierto en el Carnegie Hall junto a músicos de vanguardia como Philip Glass, John Cale, Steve Reich y Leroy Jenkins. Eran la gran promesa del momento…

  ¿Que tenía el sonido de Model Citizens que lo hacía especial?

  Sí, tocamos en ese concierto benéfico en el Carnegie Hall con algunos de los mejores músicos de vanguardia del momento. Curiosamente, nuestro volumen excedía los límites de lo que su placa de sonido era capaz de grabar, por lo que cortaron nuestro sonido y ¡esa actuación fue más acústica!

  

  La escena Post Punk/No wave de principios de los ochenta estaba llena de artistas algunos de los cuales luego llegaron a tener un gran reconocimiento internacional. Me contabas lo de Basquiat. Creo que tenes alguna anécdota en especial con Madonna, ¿es así?

  Todo lo que puedo contarte sobre Madonna es que nos conocimos durante sus primeros días cuando llegó  a Nueva York desde Detroit, Michigan. Ella ensayaba en la misma sala que nuestra banda The Dance, en un antiguo edificio textil muy sucio, en un barrio complicado cerca de Penn Station. Ella venía a algunas de nuestras presentaciones y vimos su show inaugural como “Madonna” en el club Danceteria. El DJ allí, Mark Kamins (nota:  fue un productor discográfico, remezclador y disc jockey estadounidense famoso por su papel en la escena de clubes de Nueva York. Es mejor conocido por ayudar a lanzar la carrera de la cantante Madonna al traerla a Sire Records y producir su sencillo debut » Everybody » en 1982) era un buen amigo mío y de Steve. Recuerdo una vez que los tres íbamos conduciendo para ver a  The Clash y Mark sacó un demo en cassette y dijo algo como: «¡Tienes que escuchar a esta chica Madonna, ella va a ser una superestrella!».

  

  Mark Kamins y Madonna

  Porque se produjo la ruptura de MC y cómo se formó The Dance tu nueva banda orientada más hacia una mezcla de música funk, dance y hip hop dentro de una concepción algo minimalista de las nuevas sonoridades. Aquí pasaste a ser la voz principal y desarrollaste todo un potencial que se venía gestando con anterioridad?

  Model Citizens se separó porque los 4 miembros principales tenían visiones diferentes para el futuro de la banda y hubo las habituales batallas de ego. También Warner Brothers nos estaba buscando para establecer un gran contrato, pero esto no se definía y nos seguía enredando, creando muchos conflictos y nunca se terminaba por cerrar. Steve Alexander y yo formamos The Dance con la columna vertebral de las poderosas y súper funky líneas de base de Louis Watterson. The Dance también contaba con jóvenes bateristas muy consumados. Fred Maher pasó a tocar en Material y produjo a Lou Reed. Zachary Alford tocó y realizó giras con B-52, David Bowie y, más recientemente con Psychedelic Furs. Yo fui la letrista y vocalista principal y profundicé en algunos conceptos y emociones más profundos de mí misma, las personas y el mundo.

  

                                                             The Dance 

  Previamente a la formación de tus dos bandas te recibiste como artista visual en la Universidad de Columbia. ¿Qué aportes sentís que le diste a la música desde tu experiencia anterior con las artes visuales?

  Obtener una maestría en Artes Visuales no significaba mucho en ese momento, pero ahora recuerdo que era un artista visual salvaje pero decente y una estudiante académica disciplinada. No lo sabía entonces, pero a lo largo de mis numerosos proyectos he aprendido que el viaje creativo es el mismo independientemente del medio. Si eres honesto y fiel a ti mismo y a tu intuición, el trabajo conectará con la audiencia.

  The Dance abrió shows para bandas como The Cure o Depeche Mode. Recordas algún concierto de esos que haya permanecido en tu memoria por algo en particular?

  Sí, The Dance fue telonera de muchas de las principales bandas británicas en sus primeras incursiones en Estados Unidos. Además de The Cure y Depeche Mode, abrimos para Duran Duran y Flock of Seagulls. Las llamábamos las «bandas de los peinados». En esa época también se suponía que íbamos a abrir para The Clash pero estábamos de gira por Europa. Para entonces, había un montón de clubes orientados al baile y al video (¡MTV!) como Danceteria, Hurrah, Peppermint Lounge, The Ritz.

  

  

                                        The Dance en vivo 

  En qué momento se produce la separación de The Dance? Fuiste madre luego también lo que supone alguna serie de transformaciones  en lo personal e incluso en lo artístico. ¿Cómo transitaste ese momento?

  The Dance probablemente se separó alrededor de 1983. Entonces comencé a trabajar en mi carrera solista y escribí un montón de buenas canciones. Una de ellas, llamada «Psychic Love», fue producida por Arthur Baker ( nota: es un productor discográfico estadounidense y DJ más conocido por su trabajo con artistas como Afrika Bambaataa, Planet Patrol y el grupo británico New Order)  que tuvo mucho éxito en ese momento y despertó mucho interés en los sellos discográficos importantes, pero desafortunadamente no hubo un acuerdo sólido. En esa época estaba en otra relación con un guitarrista/músico y me mudé a Woodstock, Nueva York, después de que naciera mi hijo en 1989. La maternidad fue genial, pero gradualmente me cansé mucho del negocio de la música y lo dejé atrás.

  

  Recientemente se acaba de editar en vinilo un álbum de Model Citizens y tres de The Dance, In Lust, Soul force y Do Dada. En algún punto sentís que es una oportunidad para volver a legitimar estos grupos? En su momento recibieron el apoyo de sellos de Europa. Crees que si hubieran firmado con sello de su país las cosas hubieran sido distintas?

  Oh, sí, todos estamos completamente de acuerdo en que  si nuestras bandas hubieran editado su música a través de un sello corporativo importante de Estados Unidos, las cosas habrían sido diferentes. El único lanzamiento de Model Citizen fue el EP de cuatro canciones para  Spy Records. The Dance lanzó Dance For Your Dinner en el sello privado GO-GO Records y varios otros LP y sencillos extendidos lanzados en Statik Records, con sede en Londres. Sin embargo, ahora no hay que mirar hacia atrás con arrepentimiento. ¡Después de 40 años, es un honor tener toda nuestra música completa en catálogos, junto con temas inéditos, reeditados hoy, por el sello Sundazed Music/Modern Harmonic y disponibles para una nueva audiencia!

  

  No quiero olvidarme de algo. Cómo se produjo la colaboración de ustedes con Chandra, la niña prodigio de la escena Post Punk Neoyorquina? Cuántos talentos olvidados verdad?

  El padre de Chandra era el conocido artista conceptual Dennis Oppenheim ( Nota: fue un artista gráfico y escultor estadounidense. Su reconocimiento público llegó a finales de la década 60 como representante, junto con otros artistas, del movimiento Land Art.Fue uno de los artistas contemporáneos de primera magnitud en el panorama internacional. La obra de Oppenheim está presente en más de 70 de los principales museos, colecciones y espacios públicos de todo el mundo), era amigo nuestro y fanático de la música. Chandra, cuando era muy pequeña, había participado en algunas de las actuaciones de Dennis que eran muy inquietantes. Le propusimos la idea de escribir música para sus letras y cantar y sus padres, (con precaución) nos permitieron seguir hacia adelante. El resultado fue el EP Transportation de 4 canciones cuando  Chandra tenía 12 años.Haciendo un salto a la actualidad es posible que sepas que Chandra todavía actúa y graba hoy. (Búscala si aún no lo has hecho).

  

  

  El artista Dennis Oppenheim, padre de Chandra

  ¿Cómo comenzaste a interesarte en la astrología? Venías de una formación académica artística, luego ingresaste a la escena de la música Neoyorquina y finalmente te involucraste con la relación de las conductas humanas y los movimientos planetarios…

  Empecé por primera vez con la astrología leyendo horóscopos para tratar de comprender al «amor de mi vida» cuando tenía 15 años. Él era Acuario y yo soy Libra. A partir de ahí, comencé a leer y aprender sobre los atributos de los 12 signos y luego comencé a realizar cartas astrológicas a mano para las personas y a dar consejos/lecturas cuando estaba de viaje con The Dance. Adquirí una biblioteca muy extensa, parte de la cual todavía conservo y me convertí en una especie de astro-erudita. La astrología es en realidad sólo una hoja de ruta de la vida, no determina sino que guía.

   

  Hoy te estás dedicando por completo a la producción de arte visual, a la creación y difusión de tus pinturas. Contame cómo estás trabajando en ese sentido? ¿Hay música en tus cuadros en el sentido en que podría haberlo visto Kandinsky?

  Sí, hoy soy una pintora abstracta. La música y el movimiento se reflejan en mis pinturas a través de pinceladas gestuales, caligrafía personal y paletas de colores que vibran y cantan. Por lo general, comienzo pinturas más grandes en el suelo bailando alrededor del lienzo, salpicando la pintura con escobilla de goma y garabateando. A veces, rara vez escucho música mientras trabajo, prefiero el silencio y dejar que la música provenga de mi propia alma y vibración. A veces las pinturas llevan títulos de canciones y letras de mi propia música o de canciones que me han conmovido. El arte visual y la música comparten el elemento común de evocar una respuesta emocional y canalizar y equilibrar la energía. La gente me ha dicho que sienten música en mis pinturas.

  

                                          Obra de la autora

  ¿Hay posibilidades de una nueva reunión de The Dance? Se que Steven Alexander también está plenamente volcado a la pintura. Pero uno nunca sabe …

  No, creo que no habría ninguna posibilidad de reunir a The Dance. Steve y yo somos pintores dedicados y exitosos. Él en la zona rural de Pensilvania y yo en los suburbios de Connecticut. Louis todavía toca la guitarra y canta en bares y mercados de pequeñas ciudades del norte del estado de Nueva York. Todos somos demasiado viejos y estamos dispersos para volver a reunirnos y hacer música juntos. Sin embargo, estamos muy agradecidos por las oportunidades que experimentamos en nuestro pasado. Siempre digo que los primeros años 80 en la ciudad de Nueva York fueron la época más fértil, vanguardista y extraordinariamente creativa para ser artista y músico. ¡Y hoy, estamos muy agradecidos de que nuestro legado musical se haya preservado y engrandecido con las recientes reediciones de Sundazed Music/Modern Harmonic!

  ¿Hay algo que a partir de toda tu trayectoria y de tus experiencias vividas te gustaría decir a los jóvenes que están ingresando al mundo del arte?

  El consejo que daría para los artistas jóvenes es que no se tomen demasiado en serio a sí mismos, ni a los altibajos de la vida, ya que todo lo bueno y lo malo pasan. Que ellos hagan sólo lo que realmente disfrutan de hacer. Que cultiven el proceso de crear algo de manera constante para llegar a un resultado o producto final. Que traten de ser lo más sinceros y honestos posibles consigo mismos. Esto suele ser más difícil de hacer cuando somos más jóvenes, ya que tendemos a ser lo que no somos y a inventar historias sobre quiénes creemos que somos, en lugar de quiénes somos en esencia. Pero ese es el proceso de vivir y el camino de la vida, ciertamente, no es una línea recta sino un zigzag.

  http://www.eugeniediserioart.com/

  

  20 de septiembre de 2023

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